Stepan Lipgart: "Det Er Riktig å Bøye Sin Egen Linje"

2024 Forfatter: David Durham | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 02:42

En familie

Wikipedia skriver at Lipgarts er en familie av Ostsee-adelen, kjent i Livonia siden 1500-tallet, og i det 19. - 20. århundre ble dette etternavnet båret av kunstnere, ingeniører og ubåtdesignere. Hvilke av dem er dine forfedre?

Min mors foreldre var fjerde søskenbarn til hverandre, begge nee Lipgarts, etterkommere av det gamle etternavnet til de baltiske tyskerne, innvandrere fra Pernau (nå Pärnu, Estland), som en gang virkelig hadde en tittel som adel. Forfedrene mine mistet det imidlertid ved begynnelsen av 1800-tallet. Bestemorens bestefar, Ernest Lipgart, ingeniør med utdannelse, arvet fra sin far et stort foretak som driver produksjon av sement og landbruksmaskiner. Sønnen Voldemar (Vladimir) studerte for å være arkitekt, men foretrakk kunstnerens vei. Hans skjebne var tragisk, på slutten av 1930-tallet”forsvant han”: som det viste seg de siste årene, ble han skutt på Butovo treningsfelt. Min bestemor, også en kunstner, ble forvist fra Moskva til Karaganda i begynnelsen av krigen som tysker.

Min bestefars far, ingeniør Andrei Aleksandrovich Lipgart, er en representant for en annen familiegren, leder av en stor og sterk familie, en enestående personlighet. I 1933 ble han sjefdesigner for Gorky Automobile Plant, hvor han i løpet av nesten tjue år laget flere titalls modeller av bilutstyr. Andrei Alexandrovichs fortjeneste og prestasjoner ble hovedsakelig anerkjent i sovjettiden, derfor var hans autoritet for eksempel nok til å redde en fjern slektning, min bestemor, fra eksil. Slik skjedde deres bekjentskap med bestefaren min.

Oldefarens privilegier på 1950-tallet: en stor hytte på landet og en leilighet i en stalinistisk skyskraper, ble rom der den beste delen av barndommen min også ble brukt. Den festlige atmosfæren til familiemøter - høytidelig, men også oppriktig, som fant sted i en lys leilighet med høyt tak, rik stukkatur, paneldører, hvor julenissen alltid dukket opp på nyttår - ble tilsynelatende et inntrykk som bestemte min kunstneriske smak og estetiske preferanser i årevis …

Hva påvirket din beslutning om å bli arkitekt, foruten ingeniørvitenskap og kunstnerisk genetikk?

Det ser ut til at en arkitekt ikke er tilfeldig - et yrke som ofte går i arv. I mitt tilfelle er utvilsomt innflytelsen fra moren min, selv om hun har vært engasjert hele livet ikke i praktisk arkitektur, men i teorien, men fra tidlig barndom forklarte at vårt yrke er det beste, universelle i det - kreativitet, tanke, og skjønnhet, og Moskva arkitektoniske - et sted av sjelden nåde.

Kall

Hvilken av lærerne på MARCHI er viktig for deg å huske? Hvem inspirerte deg, hvem startet du med?

Jeg husker med ærefrykt og takknemlighet mine to lærere som nå har gått bort. Da jeg kom inn på instituttet, var jeg umiddelbart veldig heldig: læreren min de første to årene var Konstantin Vladimirovich Kudryashov. En mann med et stort hjerte og stor sjarm, en strålende tidsplan - jeg husker med hvilken misunnelse vi så på hvordan klare, livlige linjer med mesterlige skisser dukket opp under hans hånd. Naturens bredde ser ut til å være legemliggjort i emnene på tegningene hans: jakt på hunder, som han elsket veldig, gamle våpen, hester, skip, seil … Tilsynelatende tilsvarte arkitektoniske preferanser denne romantiske, litt nostalgiske oppfatningen. av verden: han snakket om Venturi med stor respekt, Aldo Rossi. Generelt sett var postmodernisme, ifølge Kudryashov, noe bra. Det var ikke noe negativt fra hans side også i forhold til stalinistisk arkitektur, snarere tvert imot, i den aller første praktiske leksjonen, som fant sted utenfor instituttet, og benyttet denne muligheten, gjorde Konstantin Vladimirovich oppmerksomhet mot huset med arkitektens troende. Rybitsky, som på Zemlyanoy Val, svarte om denne arkitekturen som høy kvalitet og betydelig. Kanskje det er grunnen til at bestillingselementene og komposisjonene, hvor studien var grunnlaget for det første årsprogrammet, gjorde jeg uten en annen tanke min metode i de første skoleprosjektene i andre studieår. Kudryashov blandet seg ikke inn i dette, brøt ikke, men på slutten av det andre året advarte han: "Du har lyst på ordrearkitektur, prøv å bevege deg bort fra den neste år."

Advart om at det kan være problemer?

Jeg sa det ikke direkte, men jeg sa det slik. Generelt sett, fra det tredje til det femte året, var opplæringen min i arkitektonisk design ganske rart. I alle fall virket hovedprinsippet - å kopiere utenlandske magasiner med prosjekter som ligner på emnet, og deretter reprodusere de fant ideene og teknikkene i prosjektet ditt - for meg å være stort sett meningsløst. Samtidig ble lidenskapen for klassisk arkitektur, arven fra Sovjet 1930 - 1950, mer og mer bevisst og dyp. Jeg husker hvordan jeg på dette tidspunktet kom for å snakke med Kudryashov og klaget, sier de, at det moderne ikke inspirerer, som jeg fikk svaret på: hvis du føler at du har rett, må du kjempe "med økser."

Selvfølgelig var først dette "på øksene" fulle av lave karakterer og en absolutt misforståelse fra lærerne, men senere forenet de seg imidlertid med de fantastiske avhengighetene til en uaktsom student, og etterlot meg muligheten til å småkoke i min egen juice.

I det sjette året var det på tide å velge en diplomveileder, og så var det en ny heldig sjanse - jeg kom inn i gruppen til Vladimir Vladimirovich Khodnev. Avgangsåret var helt fornøyd; den formelle tilnærmingen til de tidligere lærerne ble erstattet av en slags berusende frihet til kreativitet og selvuttrykk. Det viste seg at det er riktig å bøye linjen din, men det sjelen ligger i er verdifullt og viktig. Lærernes følsomhet og oppmerksomhet, som jeg husker med stor takknemlighet, lot meg forstå og lære mye. Ved utgangen viste diplomet seg å være lyst, jeg vil si sjokkerende, kanskje naiv, et sted latterlig, men egentlig mitt. Jeg må si at samme år dukket barna til Iofan opp, der Khodnev forresten støttet meg veldig. Det var en god tid - vi trodde på oss selv.

Gruppen "Children of Iofan" gjorde et sprut. Det ble verdsatt av representanter fra alle retninger. Hvordan kom det til?

22 år er sannsynligvis en lykkelig tid for nesten alle: ungdommens hektiske energi, entusiasme uten hensyn til penger, omdømme, forbindelser. Våren 2006 møttes vi og ble venner med Boris Kondakov. Jeg husker vår første samtale: - "Hva synes du om Sovjetpalasset?" "Det er synd … synd det ikke ble bygget." Det var passordet som foreløpig bestemte en sjelden likesinnethet. Vi begynte å jobbe sammen, selvfølgelig var det ingen snakk om noen form for handel. Boris kunstneriske talent og min arkitektoniske visjon ble legemliggjort i konkurransedyktige prosjekter, i kunstgjenstander, og vi jobbet deretter sammen på det nevnte diplomet, og fylte det imaginære Moskva i 2006 med mennesker fra maleriene til Deineka og Samokhvalov. En stor rolle i biografien vår ble spilt av byfestivalene, som ble organisert av Ivan Ovchinnikov og Andrey Asadov. Gjør-det-selv utendørsinstallasjoner var den første muligheten til å teste romlige ideer i naturen. For første gang deltok vi i et arrangement kalt "The City of Childhood", i denne byen bygde vi et objekt som lignet propagandastrukturene på 1930-tallet - "Red Stand", mens teamet ble erklært konsonant med temaet. av festivalen - "Children of Iofan".

De brennende og motstridende tredveårene, som Iofans prosjekt markerte vendingen til, kom i resonans med sine egne opplevelser av ungdom, tørst etter handling og endring. I motsetning til kaoset og kaoset i Luzhkovs Moskva, prøvde vi å presentere et annet Moskva slik det ble unnfanget i den generelle planen for 1935. I timevis gikk vi på jakt etter fragmenter fra den byen: røde linjer, retninger, uferdige komplekser, som løste det som en rebus, og forestilte oss et helt og slankt ensemble bestående av arkitektur av høy kvalitet, skapt av avgitte mestere, hvorav noen navn vekket ærefrykt: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

• 

  

  1/5 Installasjon: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Installasjon: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Installasjon: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Installasjon: Tank "Flowers to the Fallen". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Installasjon: "Aeronautics system - et verktøy for å øke rekreasjonskomforten i Moskva". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

Hva slags skandale skjedde med Tom Maine?

Ja, faktisk var det ingen skandale, men selv uten den påvirket den hendelsen meg sterkt. Foredraget til grunnleggeren av Morphosis-gruppen, på mitt tredje år, vakte en enorm oppstandelse: nesten hele Moskvas arkitektoniske institutt dukket opp i den snøhvit Vlasov-salen i Central House of Artists. Maines kreativitet er lys, spennende, alle disse revne, leviterende, oppløsende volumene kunne ikke være likegyldige. Så virket alt som han demonstrerte forferdelig, ikke organisk, blottet for logikk, og viktigst, antimenneskelig. Etter å ha fått motet, spurte jeg etter foredraget et spørsmål, sier de, men hva med folk? Jeg var imponert over at Maine ikke en gang forstod hva jeg mener i begynnelsen. Svaret hans knyttet til designteknologi, han snakket mye om dette under foredraget, sier de, datamaskinen er bare et verktøy, og folk, det vil si arkitekter, er skapere, forfattere. Jeg fikk aldri svar om brukerne av bygningene hans. Uansett virket enhver moderne arkitektonisk form etter det foredraget meg unaturlig i lang tid.

Det minnet meg om hvordan komponisten Arvo Pärt på en gang brøt med avantgarde, fordi han ikke på dette språket kunne si hva han ønsket å si. Du har blitt spurt mange ganger om hvorfor du valgte 1930-tallet som din inspirasjonskilde, men jeg ber deg fortsatt om å forklare holdningen din til denne arkitekturen

I følge mine følelser nådde arkitekturen til det russiske imperiet, først og fremst i hovedstaden, begynnelsen av det 20. århundre verdensnivået, og hvis vi ikke sammenligner det med kulturens sentre på den tiden - Frankrike, Østerrike-Ungarn, men for eksempel med Italia, så overgikk det. Ta bygningene i Roma ved århundreskiftet, dette er en solid, godt tegnet, men fortsatt veldig sekundær arkitektur: en gjengivelse av renessansen, absurde komposisjoner på temaet antikken, eller etter samme franske mote.

Likevel er St. Petersburg i sølvalderen, tiden til Benoit og Lidval, fokus for høyt fagfolk, mestere i arkitektur. La oss huske konstruksjonen av Marian Peretyatkovich, Wawelberg-huset på Nevsky Prospekt, et strålende verk, en virtuos syntese av en florentinsk palazzo og nord-jugendstil, eller de følelsesmessige opusene til den unge Belogrud, fylt med en vag energi av forventning, forventninger. av sjokk og forandring.

Da disse sjokkene skjedde i 1917, deltok de fleste av arkitektene i den eldre generasjonen i byggingen av det nye landet, og elevene deres, en galakse av fremragende arkitekter som studerte før revolusjonen og i de første årene etter det, ble med med enda større iver: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson og mange andre. Det handler ikke bare om St. Petersburg-akademiet, fordi grunnleggerne av Moskvas konstruktivisme, Alexander og Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, er profesjonelle på den gamle skolen.

Uansett hvor paradoksalt det kan høres ut, begynte begynnelsen av begynnelsen av 1930-årene i noen tid sovjetisk arkitektur: i flere år eksisterte både avantgarde og klassisistiske konsepter. Mestrene på den gamle skolen fikk muligheten til å "fullføre skrivingen" av nyklassisismen som startet på 1910-tallet, for å overføre sin kunnskap og erfaring til en ny generasjon bemerkelsesverdige arkitekter: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Med andre ord, etter min forståelse, er sovjetisk arkitektur før krigen et fenomen i veldig betydelig skala, rik på ideer og ambisjoner, som arver høy kvalitet fra tidligere epoker.

• 

  1/3 Arch. M. Peretyatkovich. House of Wawelberg på B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  2/3 Arch M. Peretyatkovich. House of Wawelberg på B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Hus på gaten Ivanovskaya i St. Petersburg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Så motivet ditt for 1930-tallet er å appellere til høy kvalitet

Jeg er fascinert av det tids kunstneriske potensialet, sannsynligvis som en av formene for høy kvalitet.

Hva er ditt favorittarkitektur?

Det er en stor fristelse nå å huske noe fra den nevnte St. Petersburg sølvalder, men for klarhets skyld vil jeg nevne bygningen som ble bygget på 1930-tallet, den gjorde virkelig et overveldende inntrykk på meg. For den internasjonale utstillingen i 1937, blant annet, Frankrike reiste to store utstillingskomplekser, vil jeg nevne et av dem - Palais de Tokyo. Arkitekturen til slottet er nær både Mussolini-stilen og sovjetiske modeller, først og fremst Lenin-biblioteket. Imidlertid er det stramme monumentale utseendet til bygningen betydelig mykgjort, både av pittoresken til en klar volumetrisk komposisjon, og av den sensuelle plastisiteten til skulpturen som fyller rommene nær palassets fasader. Jeg tror følelsene til Palais de Tokyo, helt blottet for den "totalitære" arkitekturens offisielle dom, men selv som det virker for meg å antyde en viss grad av intimitet, skyldes det at palasset likevel ble bygget i en land med borgerlig demokrati.

For meg er det et visst kriterium av høyeste arkitektoniske kvalitet: når en storstilt bygning er så perfekt, integrert, harmonisk at byrommet, som er påvirket av arkitekturen, oppfattes som en verden av jordisk skjønnhet, merkbart forskjellig selv fra de vakre ensemblene i den omkringliggende byen. I St. Petersburg vekkes en slik følelse av kolonnene til Kazan-katedralen, i Paris - av Palais de Tokyo. I den sistnevnte verden triumferer proporsjoner og linje, ånd og vilje, ildfull kjærlighet, innprentet i stein.

• 

  1/3 Palais de Tokyo på verdensutstillingen i Paris. 1937

• 

  2/3 Palais de Tokyo på verdensutstillingen i Paris. 1937

• 

  3/3 Palais de Tokyo i Paris. Fragment. © Stepan Lipgart

I hvilke konkurranser og utstillinger har du deltatt, med hva fungerer? Hva er prisene?

I 2017, i Moskva og deretter i St. Petersburg, var det to av mine personlige utstillinger ("The Seventeenth Utopia" og "Search for a Hero"), som jeg er veldig takknemlig for henholdsvis kuratorene deres, Alexandra Selivanova og Lyusa Malkis. Men med spesiell varme husker jeg utstillingen vår med den strålende tittelen "Fremover, til 30-årene!" på Museum of Architecture, som åpnet høsten 2008. Forberedelsene hennes minnet noe om en annen byfestival. Det var veldig lite penger, men mange venner klare til å hjelpe, ideer og min egen styrke i ubegrensede mengder. Kuratoren var min venn, kunstkritiker Masha Sedova.

Og nå i to og en halv måned bosatte vi oss i et lite samfunn, var engasjert i konstruksjon av modeller, utstillingsinstallasjoner, produksjon av plakater og annet utstillingsmateriale. Resultatet ser ut til å være veldig lyst, i alle fall, den spesielle gjesten på utstillingen, Grigory Revzin, gjorde da oppmerksomhet mot Children of Iofan.

Når det gjelder konkurransene, tilsynelatende på grunn av spesifikken til temaet for arbeidet vårt, lyktes vi ikke her for mye, men vi forsøkte ikke å lykkes, det er et par ARCHIWOOD-premier, men jeg tror dette kan tilskrives til et unntak fra regelen.

• 

  

  1/6 Installasjon "Pillars of OSVOD", prisvinner av ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  2/6 Installasjon "Pillars of OSVOD", prisvinner av ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  3/6 Installasjon "Pillars of OSVOD", prisvinner av ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  4/6 Installasjon "Pillars of OSVOD", prisvinner av ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  5/6 Installasjon "Pillars of OSVOD", prisvinner av ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  6/6 Installasjon "Pillars of OSVOD", prisvinner av ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

Hva er inntrykk av å jobbe i Mikhail Filippovs studio?

Etter min forståelse er Mikhail Anatolyevich en strålende kunstner, og hans visjon om arkitektur forutsetter en kvalitet av virkeligheten som er uoppnåelig i dag: sosial, kulturell, teknologisk. For at Filippovs arkitektur i full lyd skal bli en del av den materielle verden, er det for mye å endre i verden, å huske mye. Denne ideen skremmer og skuffer meg, men det ser ut til at en person, til og med uendelig talentfull, ikke kan gjøre det. Jeg jobbet totalt i Mikhail Filippov Workshop i ett år, jeg er glad for at jeg kjenner mesteren, jeg er takknemlig for hans arbeid.

Øve på

I en alder av 30 begynte du å designe store boligkomplekser i St. Petersburg. Hus "renessanse" på gaten. Dybenko har allerede blitt delvis bygget, "Petite France" på den 20. linjen på Vasilievsky Island blir bygget. Få mennesker klarer å få slike ordrer i denne alderen. Hva er hemmeligheten?

For et par måneder siden snakket vi med Aleksey Komov, og spesielt definerte han denne situasjonen slik: “Det er din stilling som en mester, en gjenopplivelsesstilling. Det er din verden der du bor uten å gjøre en forskjell mellom papir og virkelige prosjekter, og kunder på toppnivå, tilstedeværelsen av denne verdenen, fastheten i kunstnerisk overbevisning, føler og vil være med. Og siden dette er en storstilt verden, viser prosjektene seg å være store: boligbygg og fabrikker, og ikke private hus og ikke interiører."

Det høres veldig høyt, rosende ut, derimot er det rart å avskrive noen hendelser i livet med en blind sjanse. Jeg husker at i en alder av tretti, da jeg valgte materiale til Arch-Moscow, reviderte jeg mine mange bilder: papir, konkurranseprosjekter, fotografier av installasjoner, og det var en følelse av at nok bilder og ideer hadde samlet seg slik at de på en eller annen måte brøt igjennom, kom ut i den virkelige verden. Så det skjedde snart. Selvfølgelig spilte tidligere bekjente en rolle: Grigory Revzin førte meg sammen med Kusnirovich, Maxim Atayants, som er et eksempel for meg profesjonelt og moralsk, tilrettelagte et møte med en St. Petersburg-utvikler.

Fortell oss om enheten og metodene til Liphart Architects-verkstedet?

Jeg ser hovedoppgaven min i å jobbe med henholdsvis et arkitektonisk bilde, alt er bygget på en slik måte at det løses med maksimal effektivitet, men med et minimumsteam. Verkstedet er veldig lite, opptil fem personer, det er nesten utelukkende engasjert i skissedesign. Jeg foretrekker å tegne utsiden av bygningen med min egen hånd, fra den første blyantlinjen til den siste centimeteren av den endelige datamodellen til fasaden. Jeg delegerer resten av arbeidet til kollegene mine. Prosjektet og arbeidsdokumentasjonen er utviklet av eksterne designere, vi deltar i prosessen som en del av designerens veiledning.

Det første huset i St. Petersburg,

Boligkompleks "Renaissance", malte jeg i henhold til de gitte layoutene. Selvfølgelig endret designerne og justerte dem i prosessen, avgjørelsene mine ble også transformert, men til slutt skal det bemerkes at implementeringen er veldig nær den opprinnelige ideen. Kundens installasjon påvirket også: endre arkitekturen til slutt, bygg som den er tegnet.

• 

  1/6 Utsikt fra sør-øst til rotunda. Boligkompleks "Renaissance" © Liphart Architects

• 

  2/6 Renessanse boligkompleks Visualisering © Liphart Architects

• 

  3/6 Boligkompleks "Renaissance" Foto © AAG

• 

  4/6 Prosjekt av boligkomplekset "Renaissance" på Dybenko street, St. Petersburg, siden 2015Datagrafikk Under bygging Kunde: investerings- og konstruksjonsbedrift AAG © Stepan Lipgart

• 

  5/6 Utsikt fra sør-øst, kveldsbelysning. Boligkompleks "renessanse" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Courtesy of Liphart Architects

• 

  6/6 Nord fasade utsikt, kveldsbelysning. Boligkompleks "renessanse" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Courtesy of Liphart Architects

I tilfellet med det såkalte "Lille Frankrike" - vårt første hus i det historiske sentrum av byen - hadde jeg mer manøvreringsfrihet: volumet og antall etasjer ble satt, en rekke generelle ideer med leilighetsformater, alt annet ble bestemt på grunnlag av det ytre utseendet jeg hadde oppfunnet. Utformingen av denne gjenstanden falt sammen med flyttingen til St. Petersburg, så den ble tegnet med stor følelse, med en slags neofyttglød, verkene til Lidval og Klenze, som jeg virkelig oppdaget selv da, hadde stor innflytelse på dens arkitektur.

• 

  1/7 RC "Little France". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  2/7 RC "Little France". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  3/7 RC "Lille Frankrike". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  4/7 RC "Little France". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  5/7 RC "Lille Frankrike". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  6/7 RC "Little France". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

• 

  7/7 RC "Lille Frankrike". 20. linje på Vasilievsky Island. St. Petersburg © Liphart Architects

En rekke St. Petersburg-prosjekter som vi for tiden jobber med på et eller annet tidspunkt: boligbygg på Magnitogorskaya Street, Malokhtinsky Prospect, ved bredden av Black River - blir utformet på en lignende måte. Huset på den 12. linjen på Vasilievsky Island er veldig kompleks i konfigurasjon, tett, det ble tegnet i seks måneder. Kanskje den største innsatsen ble investert i dette objektet, håper jeg virkelig på implementeringen.

Den "gjør som tegnet" tankegangen for designere oppstod fordi kundene var dine allierte. Føler kundene skjønnheten?

Det virker for meg at evnen til å se det vakre er en gave gitt til alle fra fødselen. Det er en annen sak at livssituasjoner, miljø, fordommer kan ta denne gaven fra en person, eller i alle fall forårsake ham alvorlig skade. Noen ganger ser det ut til at i dagens Russland, som har lidd det siste århundret, har flertallet glemt hvordan ikke bare for å øke skjønnheten, men til og med for å skille den fra det stygge. Desto mer fantastisk er møtet med ambisjonen om å skape det estetiske. Etter min mening har både Alexander Zavyalov, eieren av St. Petersburg-utviklerfirmaet, og Mikhail Kusnirovich en slik ambisjon.

• 

  1/7 Utsikt over administrasjonsfasiliteter og produksjonsbygninger fra sør-vest. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

• 

  2/7 Utsikt over administrasjonsbygningen fra sør-øst. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

• 

  3/7 Trapp foran, fragment. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

• 

  4/7 Fragment av den vestlige fasaden til den administrative bygningen. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

• 

  5/7 sal i 1. etasje med Winter Garden_fragment. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

• 

  6/7 Generell utsikt over stoppestedet fra sør. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

• 

  7/7 Den sørlige fasaden til administrasjons- og rekreasjonsbygningen, fragment. Klesfabrikk "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / levert av Stepan Lipgart

Videre begynner selvfølgelig kundens smakspreferanser å spille en rolle og endres, må jeg si, over tid fra fullstendig tilfeldighet med min til fullstendig misforståelse. I de første prosjektene med Zavyalov, for eksempel orden, ble klassisk arkitektur akseptert med et smell, og vi snakket det samme språket, men nå og mer blir oppgaven stilt i henhold til prinsippet kjent fra instituttets år: "Gjør meg som i dette bildet." Her oppstår spørsmålet ufrivillig, i hvilken grad er jeg klar for et kompromiss. Generelt er det en viss skuffelse i yrket etter de første årene med praktisk arbeid. Så langt har det virkelig viktige og verdifulle blitt oppnådd i papirprosjekter, ikke i implementering.

Papirprosjekter

For mer enn to år siden, i en kommentar til archi.ru, nevnte jeg at hovedtemaet som interesserer meg er de uløste motsetningene som ligger i den russiske kulturen og historien, som manifesterte seg spesielt sterkt på 1930-tallet. Kollisjonen av maskinen med det tradisjonelle og menneskeskapte. Linjen med heroisk Petersburg-arkitektur, legemliggjort både i art deco av Levinson og Trotsky, og i den dystre arkaikken til Belogrud og Bubyr, og enda tidligere i generalstabens bue og monumentet til Peter. En linje med belastet impuls, overvinning, assosiert med byens natur, som har blitt utsatt for voldelig europeisering flere ganger.

I verkene dine fornekter ikke bestillingsarkitektur og teknologi hverandre, men tvert imot beriker hverandre: art deco og reaktor, art deco og rakett … Hvilket papirprosjekt er mest kjær for deg og hvorfor?

Serien "At the Reactor" er en personlig dedikasjon, den legemliggjør bildet av en atomreaktor som en kraft som varmer denne verden, men også truer med å ødelegge den. Denne energien har en likhet med menneskelig lidenskap. Stasjonen er som et tempel, og temaet for gudfjerning av bilen er også til stede her.

• 

  1/5 serie "At the Reactor" 2014 Datagrafikk-papirprosjekt © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Series "At the Reactor" 2014 Computer graphics Paper-prosjekt © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Finlyandsky jernbanestasjon 2014 Datagrafikk Papirprosjekt © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Prosjekt for forbedring og gjenoppbygging av territoriet til Neskuchny Sad-parken. Scene 2011-2012 Datagrafikk Ikke implementert Kunde: Bosco-gruppen av selskaper © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Prosjekt for forbedring og gjenoppbygging av Neskuchny Garden park. Drivhus 2011-2012 Datagrafikk Ikke implementert Kunde: Bosco-gruppen av selskaper © Stepan Lipgart

Jeg husker godt hvordan handlingen i verket jeg kaller "Arc de Triomphe" kom til. Dagen før hadde jeg en inspirerende samtale, hvor samtalepartneren etterlyste et bildemanifest, min idé om fremtiden. Tilsynelatende fant han de riktige ordene, bildet ble født på et øyeblikk: en dristig rakett, klar til å bryte av i empiri, innrammet av en gigantisk arkitektonisk form. Erobringen av verdensrommet, muliggjort av et teknologisk gjennombrudd, og dynamiske linjer som høres sammen med denne bevegelsen, bærer preg av meningsfull Art Deco.

På utstillingen i Moskva var det prosjekter av ganske estetiske art deco-villaer. En villa er bildet av en privatperson. Hva slags person er dette, med hvilke egenskaper?

Det er interessant at hvert prosjekt er et tilbud til en bestemt kunde, men ingen av dem bestemte seg for å bygge huset sitt i slike former. Det ser ut til at Maxim Atayants ga en ganske nøyaktig beskrivelse og bemerket at dette ikke er private hus, men utstillingspaviljonger for å stille ut kunden og hans hverdag. Ja, kanskje, den fremhevede representativiteten, monumentaliteten og arkitekturens høytidlighet innebærer ikke privatliv, komfort, rolig strøm av dager. Bildet av dette huset utfordrer innbyggerne, og han må tilsvare ham først og fremst estetisk, men ikke bare. Her kommer vi nær temaet for den eksepsjonelle personligheten, helten.

• 

  1/4 Prosjekt "Winged Villa" 2016 Datagrafikk Ikke implementert Privat kunde © Stepan Lipgart

• 

  2/4 Prosjekt av villaen "Acropolis Litorinum" 2015 Datagrafikk Leningrad-regionen, Vyborgsky-distriktet Ikke implementert Privat kunde © Stepan Lipgart

• 

  3/4 Prosjekt "Villa ITR", 2011 Datagrafikk Moskva-regionen, Chekhovsky-distriktet Ikke implementert Privat kunde © Stepan Lipgart

• 

  4/4 Villa-prosjekt "Pavillon Lecayet", 2015Datagrafikk Moskva-regionen. Ikke implementert Privat kunde © Stepan Lipgart

Metafysikk

Hva er forskjellen mellom konseptet ditt om en helt og en romantisk helt fra 1800-tallet, som går i kamp med skjebnen og motarbeider mengden; fra superman og demiurge av avantgarde; fra et tjuende århundre libertarian?

Jeg husker jeg leste i Khan-Magomedov at Ivan Leonidov, som opprettet sin "Solens by", knapt var kjent med teksten til Tommaso Campanella. Hans utopiske konstruktivisme ga et bilde av en lys fremtid, og handlingen til Solens by var i tråd med hans følelser. Det er verdt å umiddelbart avgjøre at mitt “begrepet helten” heller ikke har tilstrekkelig filosofisk dybde. Bak det ligger ingen lange tekster, forskning, forsøk på å teste mine egne gjetninger empirisk. Det viktigste her er din egen intuisjon, opplevelsen av visse følelser, opphøyelse. Og den mest vellykkede måten for den beryktede søken etter helten er å observere den kunstneriske utstillingen av menneskelig skjønnhet. Det mest åpenbare eksemplet er et portrett av renessansen, opphøyende, guddommeliggjørende menneskelig natur. Men enda nærmere idealet er de lerretene der det himmelske lyset kommer i konflikt med den mørke siden av menneskets natur. Det var et friskt, sterkt inntrykk for meg å se verkene til Parmigianino og Bronzino live, det er ingen lett fred i renessanseharmonien i dem, tvert imot, den gjennomsiktige kulden av upåklagelige trekk, den skjøre balansen mellom Apollonian og Dionysian, som antyder respons, dristighet, sjelens arbeid.

I Scriabins guddommelige symfoni skaper helte-demiurgen en verden ut av ingenting. God-fighting konseptet gir opphav til veldig vakker musikk, men etisk er det på grensen. Helten din - hvem er han?

Helten er midtsteget mellom en person med sine svakheter og laster og det høyeste prinsippet. Helten er ikke en som på mirakuløst vis er utstyrt med guddommelige evner, men som strever med styrken i sin ånd, sin egen sjel, til det høyeste, ideelle, både moralsk og i følelsen av fysisk skjønnhet.

Men en kunstner er en helt i det øyeblikket han skaper noe. Manifestasjonen av skjønnhet i et verk er alltid et mirakel og dristig. Tilbake til 1930-tallet er både skaperne og bildene deres heroiske der. Arkitekter bygde, og komponister skrev, og risikerte livet. I 1938 satt Shostakovich hver kveld i trapphuset til huset sitt med koffert og ventet på arrest fordi hans venn, marskalk Tukhachevsky, ble skutt. Shostakovich har blitt jaktet på trykk siden tidlig på 1930-tallet. I 1937 skrev han imidlertid den 5. symfonien, der han ifølge Pasternak sa alt, og ingenting skjedde med ham. Helten i denne musikken dør i kampen mot en helvetes totalitær maskin

På trettiårene ble det gjort et ultimat forsøk på å tåle det heroiske, demiurgiske i størst mulig grad - Det tredje riket. Et forsøk på å forandre, å forvride den universelle menneskelige moral, å skape en ny person, et nytt samfunn, en ny by. Kulten til en helt som har fanget titalls millioner. Resultatet er uhyrlig, og fra etisk, humanistisk synspunkt er det ikke underlagt noen begrunnelse. Det må huskes at linjen er veldig tynn her.

Ja. Fordi midlene er uhyrlige, og midlene er det viktigste. Ja, det var et uhyrlig mål

Er andre muligheter mulig? Ta ridderskap - det er assosiert med vold og drap, og på samme tid, flotte, husker alle de majestetiske murene til middelalderslott og kulten til en vakker dame.

Jeg er uenig i at det heroiske konseptet er forbundet med vold, kanskje med å konfrontere vold og overvinne seg selv. Hvis vi forener livet med en vertikal dimensjon, snakker vi om en helt som ofrer seg for andre mennesker

Forresten ble offer også fremmet i det nazistiske samfunnet. Som et resultat er det allerede en oppfatning i det moderne Tyskland om at jakten på selvverdifull skjønnhet kan sidestilles med nazismen.

Dette er feil. Kunstneren skaper en form, det er en dominerende gest, på en måte totalitær, men kunst er et område der hierarki er gunstig. Postmodernisme prøvde å dekonstruere denne gesten, og det kunstneriske resultatet er ikke veldig overbevisende. Sølvalderen balanserte på randen av kunst og livsbygging. Han skapte skjønnhet, men forble i det kunstneriske feltet og gikk ikke lenger (mer presist, poeter og kunstnere eksperimenterte med alle slags uanstendige kulter, som vi vet fra minnene til Alexander Benois, men dette var deres private affære). Lenin er ikke sølvalderen

Men kunstnerne samlet disse skyene på terskelen til dramaet i 1917 og kalte og sultet etter dem. Hva er torden og lyn? Dette er noe ukontrollerbart. Scriabin hadde naturligvis en annen ide om utseendet til en ny mann, det er tydelig at han ikke var kommissær med en Mauser og ikke et brutalt angrepsfly. Leningrad-blokaden som realisering av sølvalderens mest forferdelige drømmer ligger i følelsen av overmenneskelighet og offer, i disse mørke kuldeopplevelsene som er nedfelt i Belogrudov-husene. De hadde allerede en forutanelse om en forestående tragedie, en forutanelse om det arkaiske, som dukket opp i bildet av Stalin fra de mørkeste dypene. Jeg skjerper temaet og ser bildet av helten i verkene til skulptørene Josef Torak og Arno Brecker. Audacity der lener seg definitivt mot den mørke naturen, men den er imponerende.

Det samme gjorde vågene fra mange libertarianske kunstnere fra det 20. århundre. Wright, Sullivan, Scriabin var Nietzscheans. Men de forstod Nietzsche på en vulgær måte. Nietzsche, da han sa sin setning om Guds død, betydde at en person har sluttet å vende seg til himmelen, har sluttet å være takksig, til å tilpasse sine handlinger med Gud. Folk styrte den resulterende frie energien for å nå sine mål, og oppnådde mye. Men falt menneskets natur manifesterte seg i all sin prakt

Falt menneskelig natur manifesterer seg i full vekst i dag. Det er synd at disse skjermene ikke har noen kunstnerisk verdi.

Ja. Men folk forsto noen ting. Verden har beseiret fascismen, og balansen opprettholdes fortsatt, om enn med vanskeligheter. Albert Schweitzer sa at etter å ha oppfunnet atombomben, det vil si å bli supermakt, ble ikke mennesket superintelligent. Kanskje helten er en superintelligent person. Ikke i følelsen av forsiktighet, selvfølgelig, men tvert imot, i betydningen hensynsløshet, evnen til barmhjertighet, offer. Helgenen er ganske en helt og supermann. Vi har verdier som vi ikke vil miste. Hvis vi snakker om arkitektur, er en europeisk historisk by en verdi, og arkitekturen på 1930-tallet er en organisk del av den

Ja, men det var også en ny kvalitet i henne. Da jeg kom tilbake til mitt parisiske inntrykk, var besøket veldig kort og konsentrert: på åtte timer gikk jeg fra Pantheon til Trocadero, etter å ha klart å besøke Louvre. Den store byen forbløffer med sin skala, rikdom av fasader laget av naturstein, fei av veier, storheten til store palasser, og likevel, når jeg kom ut til bygningene i Paris-utstillingen, kunne jeg ikke la være å føle en annen dimensjon, en annen grad av betydning, et fremtidsbilde, som aldri kom, fordi den destruktive naturen til mennesket da vant over den kreative.