Lei av å bli kuratert av kritikere, teoretikere og andre nærarkitektoniske mennesker, biennalen 10 år etter at Massimiliano Fuksas igjen overlot seg til hendene på en arkitekt. Kazuyo Sejima er en kjent japansk arkitekt, en av grunnleggerne av arkitektbyrået SANAA, forfatteren av bygningene til flere store museer, inkludert New Museum i New York, samt Serpentine Gallery Pavilion 2009, vinneren av 2004 Golden Lion, som mottok Pritzker-prisen kort tid etter at hun ble utnevnt til kurator for biennalen. Hun er også den første kvinnelige kuratoren i utstillingens historie. Men det viktigste, ifølge biennaldirektøren, Paolo Baratta, er at hun er en praktiserende arkitekt. Sejima gjenspeiler dette i sin kuratoriske melding, som begynner med "2010-biennalen vil være en refleksjon over arkitektur."
I motsetning til det forundrende mottoet "utover å bygge" for sin forgjenger, kurator Aaron Betsky i 2008, som halvparten av deltakerne egentlig ikke kunne forstå, og den andre halvparten ignorerte, foreslo Kazuyo Sejima i år et enkelt og tilgjengelig slagord: "Folk møtes i arkitektur "som ikke er spesielt bindende. Det er åpenbart at to ting er forenet i den - arkitektur, som Biennalen tilsynelatende har til hensikt å komme tilbake til, og pluss til arkitektur en slags subtil sosiologisk note, for en endring. Det er tross alt umulig å fullstendig absolutisere hovedutstillingen for utstillingen; noe bør legges til den. Arkitektur for noe, men de bygger for eksempel slik at folk møtes der. Herfra er en direkte vei til de offentlige bygningene som pryder kuratorens portefølje så godt. I tillegg til mottoet skisserte Sejima flere andre betydninger: utstillingens fokus er den moderne arkitekturens reaksjon på endringene som ble forårsaket av det 21. århundre, mot informatisering og globalisering; grensene som arkitektur enten betegner eller sletter; og kvaliteten på den bygde arkitekturen - legger Paolo Baratta til i sitt budskap. Dermed, etter en lang søken etter sannhet "på siden", vil verdens viktigste arkitektutstilling (og Venezia-biennalen selvfølgelig være slik) komme tilbake til hovedfaget, styrt av en myk og diskret kvinnehånd.. Kuratorutstillingen har totalt 48 deltakere, inkludert ikke bare arkitekter, men også ingeniørfirmaer.
Når det gjelder hovedkuratorutstillingen, som på Biennalen alltid holdes i Corderie Arsenal-bygningen, erklærte Sejima deltakernes frihet og sa i manifestet at hver deltaker vil være "sin egen kurator" innenfor det "uavhengige" fragmentet av arsenalet. interiør tildelt ham. Mangfold er bedre enn samlende vilje, sier kuratoren; i et ord, gjør det du vil … Fullstendig frihet; Selv om du går gjennom utstillingen forstår du at dette ikke er helt sant.
En besøkende som kommer inn i den første salen i kuratordelen av Biennalen, blir møtt av et gigantisk steinhjerte kuttet av en treøks - øksen viser seg ved nærmere undersøkelse å være et tilfluktsted med en skorstein som går opp, en metafor for tragedien av det nylige chilenske jordskjelvet (en detaljert historie om gjenoppretting etter katastrofen kan bli funnet videre, om Arsenal-utstillingen av den chilenske paviljongen). For to år siden ble Arsenal-utstillingen åpnet av en morsom film- og videoinstallasjon; i motsetning til minnet om henne, er hjertet av stein veldig stort, grovt og grovt. Dette er en slags gigantisk gjenstand, ved siden av den føler du deg i en kannibals hule og tune inn, uunngåelig, seriøst. Pilarene i Arsenal begynner å virke som søyler i en romansk basilika, og generelt forverres likheten mellom dette berømte utstillingsområdet og et tempel. Det er mulig at det var dette som var ment.
Rett bak steinøksa er det en kompakt kinosal med en film av Wim Wenders, som raskt kan vandres gjennom for å bli kjent med et enda større emne fra Ensamble Studio og hodet Anton García-Abril. Krysser under kolonnene og blokkerer den rette stien, hviler to gigantiske I-bjelker i hallenes rom, lik skinner og å dømme etter deres grå farge, mest sannsynlig betong. Den ene gigantiske strålen ligger på den andre, og den frie enden hviler på en fjær så høy som en gjennomsnittlig mann. Våren støtter selvfølgelig egentlig ikke noe, barn leker med det, men det ser veldig imponerende ut. Dette kan ikke kalles en "vår"; og hvis skalaen til den skulpturelle gjenstanden som ble plassert der i den aller første salen tilsvarte interiørets størrelse, så ser den ut til å være for stor selv for et arsenalinteriør, overgår og til og med undertrykker det litt.
Fra en slik progressiv vekst, tenker du ufrivillig - herregud, hva som vil skje videre. Men så befinner vi oss i en sky ("livsstørrelse" - som angitt i kuratormanifestet), bygget sammen av den japanske arkitekten Tetsuo Kondo og ingeniør Matthias Schuler fra det tyske selskapet Transsolar, som spesialiserer seg på klimateknikk (med kunnskap om selskapets detaljer., det er lett å gjette hvorfor skyen; klimakontroll snek seg inn i Arsenal og ordnet sitt eget vær i den …). Hallen er fylt med en hvitaktig tåke, som pumpes gjennom hullene i veggen av spesielle installasjoner. Tåken sprer seg på nivået med galleriene, og en spiralformet struktur er bygget i midten og klatrer langs som du kan gå gjennom skyen og se på den ovenfra. Skyen sprer seg i lagvise strimler, den er tett over, som i et bad, men effekten er fantastisk. Riktignok opplevde moskovittene en lignende effekt så sent som i august med ankomsten av røyk til byen; i Arsenal er imidlertid denne skyen tykkere, tilsynelatende trygg.
Kuratoren tolker det felles arbeidet til sin landsmann og en tysk ingeniør som følger: det skyver oss til en ny forståelse av rommet, om ikke bare fordi skyens grenser er uskarpe. Grensene er faktisk uskarpe, selv om de er lukket i rammen av hallen. Å dykke i tåken er gøy; men det er umulig å ikke huske hva skyene allerede har gjort - først og fremst de berømte arkitekt-kunstnerne Elizabeth Diller og Ricardo Scofidio. Kanskje det er derfor kuratoren delikat bemerker i meldingen sin: ikke alle installasjoner er originale når det gjelder stil, men mange representerer toppen av moderne teknologi.
Det indiske studioet Mumbai laget den neste store salen med utklipp av tremodeller, og hengte klassiske trebladvifter fra taket og gjorde den til et "verksted" - men for en så stor plass er ting fortsatt ikke nok, en full- flyktet illusjon av kunstneriske blokkeringer oppstår ikke; det viste seg, sammenlignet med de første installasjonene, lite, men koselig.
R & Sie (n), det parisiske arkitektfirmaet François Roche og Stéphane Laveau, som viste hvite modeller av bioniske skulpturbygninger i den italienske paviljongen for to år siden, slapp en av sine bisarre skapninger inn i Arsenal-rommet og gjorde det til et bord på ben. På den ene siden er dette martyrdyret dekket av glassvekster, glødende med et grønt lys, overvåker spire fra motsatt ende, i midten over et stykke noen flerfarget pseudo-mineral, en enhet som ligner på en Geiger-teller. I forklaringen husker forfatterne Tarkovskys "Stalker" og snakker om grensene for sivilisasjonens prestasjoner - sannsynligvis burde denne installasjonen svare på kuratorens tese om "grenser". For, i motsetning til naboene, påvirker det ikke rommet på noen måte; snarere viser det oss en eksotisk innbygger som bor inne.
Men salen til Olafur Eliasson er veldig effektiv: i mørket er tre slanger hengende fra taket, som sprer seg rundt de fantasifulle krusete vannstrålene, som skiller seg ut i de nervøse blinkene fra stroboskopisk lys. Den eksotiske dusjen er fascinerende, men vanskelig å fotografere. Jeg må si at Sejimas ord om at mange bilder ikke vil være nye, er ærlig sant - Eliasson gjorde den første lignende dusjen tilbake i 1996.
Videre - igjen lys, en treramme av en flat kuppel fra et kinesisk byrå med det franske navnet Amator (som betyr amatør). Det var faktisk som om amatørene vridde disse matriser sammen med bolter; men selve evnen til å krysse grensen til kuppelen der det vanligvis er umulig å krysse den og bokstavelig talt "komme inn i kuppelen" er ganske nysgjerrig (igjen grenser).
Til denne linjen må vi legge til Jeanette Cardiff Music Hall, hvor høyttalere plasseres i en sirkel, og i midten er det stoler for å lytte til den resulterende (volumetriske? Arkitektoniske?) Musikken. Og settet vil være komplett. Her er bare et sett med hva?
Den lovede arkitekturen i den ser ved første øyekast ikke ut til å være nok. Det vil si at tradisjonelle oppsett og tabletter i en felles sekvens, selvfølgelig, blir funnet: det mest merkbare for det russiske øyet er konkurranseprosjektet til Perm Museum-bygningen fra Valerio Oljati, det mest merkbare for øyet generelt er Taichung Opera prosjekt fra Toyo Ito. Denne bygningen, som ser ut som et lite fragment skåret ut fra en veldig stor termitthaug (tross alt Kina), er presentert med grundige detaljer og utstyrt med komplett dokumentasjon som ligger på bordene i form av tykke album på forfatterens språk. Men prosjektet som er vist så detaljert, er et unntak og muligens en konsekvens av friheten som kuratoren har erklært. Arsenals utstilling dannes av installasjoner, dessuten ikke alltid laget av arkitekter, men, som vi ser, av ingeniører og oftere av kunstnere som jobber profesjonelt og godt i denne sjangeren. For eksempel Olafur Eliasson - i sin portefølje er det mange gode og forskjellige, vanligvis store installasjoner (det er forresten flere "skyer" der, Dealer og Scofidio er ikke de eneste i denne sjangeren). Matthias Schuler er ingeniør. Det vil si at kuratorutstillingen i Arsenal på ingen måte har blitt en utstilling av arkitekter.
Dette betyr ikke at det ikke er arkitektur i den. Selv om Kazuo Sejima, som forfatter av museumsområder, gjorde hele utstillingen til arkitektur som en helhet: hun designet den ikke som designer og komponerte den ikke engang som kurator, men bygde den og kombinerte det meste av installasjonene i en kjede der hver deltaker tilbyr sin egen måte å kunstnerisk forstå Arsenal-rommet på. Dermed ble selve Arsenal hovedutstillingen. Og jeg må si holdningen til dette utstillingsområdet er paradoksalt - alle elsker det veldig, men når de organiserer utstillinger i det, legger de liten vekt på det, bare plasserer noe inni. Arsenal er sannsynligvis fornærmet av slik forakt, ser dystert ut og presser publikum i stor skala. Men han er god i seg selv, og det er hyggelig at den nye kuratoren la merke til dette.
I dette tilfellet viser ikke kuratorisk utstilling arkitektur så mye som den er i seg selv. Og passasjen gjennom utstillingen blir ikke lesing, ikke kontemplasjon og ikke se, men - fordypning i arkitektur (så nedsenket i et fremmed språk). Og deltakerne i utstillingen, "antatt gratis" kunstnere og ingeniører, ble for Sejima et middel for arkitektonisk forståelse av Arsenals rom. Som forresten er sant hvis vi husker at arkitektur er hovedkunsten, og resten en gang adlød den. Her er en kurator fra SANAA og dempet dem alle, men veldig, veldig diskret. Hun arrangerte ikke utstillingen i interiøret, men fylte rommet med innhold. Interiøret i Arsenal, som om, gjengjeldte henne, ble med i rollen som "hovedutstillingen" og ble mer behagelig. I alle fall, nå vil jeg se på det og den lange passeringen gjennom Arsenal denne gangen er ikke så slitsom som den var for to år siden.
Kanskje dette skyldes det faktum at det har mange tomrom og ikke veldig mye innhold - en solid form, og til og med den vektløse, japansk-shinto: lys, mørke (sammenflettet innvendig som yin og yang), stein, sky, vann, lyd … Du kan sikkert til og med si at Sejima arrangerte en rekke reproduksjoner av allerede kjente installasjoner i Arsenal, ved å bruke dem som et middel for en arkitekt til å jobbe med unnvikende elementer, for å fange den unnvikende, gjenskinn, skyggen - ting der japansk kultur er så sterk. Det er verdt å oppleve mens du er i Arsenal.
Som et helt stykke og en refleksjon over hovedelementene blir utstillingen godt mottatt. Ord mangler imidlertid litt; det er viktige - som rom og grense, som Sejima snakker om hele tiden, også på gårsdagens pressekonferanse. Alle andre ord samles på "strengt utpekte steder"; Arsenal har et intervjurom fylt med stoler og skjermer med hodetelefoner - ordelskere kan nyte taler der i veldig lang tid, listen over høyttalere tar en hel vegg.
Kort sagt, kuratorutstillingen i Arsenal ser ut til å være riktig å oppfatte som et annet arkitektonisk verk av SANAA.
Ellers har strukturen til utstillingen, kjent for mange, vært uendret. Kuratorutstilling i Arsenal, i den tidligere “paviljongen i Italia”, omdøpt til Palazzo Espozicione (Palace of Exhibitions); utstillinger av nasjonale paviljonger i Giardini og et "parallelt program" i byen. Den nåværende biennalen er til en viss grad et jubileum - 35 år har gått siden den første arkitektutstillingen fra Venezia-biennalesyklusen. Derav jubileumsbegivenhetene og minner fra tidligere biennaler. I Column Hall of the Palazzo Justinian (palasset hvor hovedkvarteret til organisasjonskomiteen for Biennalen ligger) ble det i går åpnet en utstilling om historien til de siste 11 årene av Venezia-biennalen, en slags rapport om prestasjonene til den venetianske utstillingsøkonomien; det er også vert for LUMA-utstillingen, og presenterer Frank Gehrys "arkitekturprogram for en ny kulturell modell".
En annen del av jubileumsprogrammet til Biennalen vil være "Arkitektoniske lørdager" - som pressemeldingen fra arrangørene sier, vil det i tre måneder på lørdager i Venezia være møter med viktige figurer fra tidligere utstillinger, inkludert kuratorene for de forrige biennalene. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Vi planlegger å gradvis publisere mer detaljerte rapporter om utstillinger og begivenheter på Biennalen. Utstillingen vil pågå til 21. november.
