En utstilling av grafikk av sjefarkitekten i Moskva, Sergei Kuznetsov, åpnet i går på Moskvas multimedia kunstmuseum. Den har over 120 arbeider i blyant, blekk, tusj og akvareller, laget over ti år siden 2007. Mange nye, for det meste akvareller - 2016 og 2017, inkludert de som er laget spesielt for utstillingen. Vi publiserer et fragment av en samtale mellom utstillingskuratoren, kunstkritikeren Yekaterina Shalina og Sergei Kuznetsov. Den fulle versjonen av intervjuet vil bli publisert i katalogen dedikert til utstillingen "Sergei Kuznetsov. Personlig kontakt / Arkitekturgrafikk "(21.07 - 10.09). I tillegg til grafikk og maleri, vil den inkludere historier om kjente kulturpersoner, arkitekter, fotografer, journalister og kunstnere om deres oppfatning av forskjellige byer i verden - fra arkitektoniske opplevelser til smakssensasjoner. Bidragsytere inkluderer Mikhail Shvydkoy, Sergei Tchoban, Dmitry Bertman, Alexey Tarkhanov, Mikhail Belov, Artemy Lebedev, Alexander Ponomarev, Alexey Naroditsky, Peter Kudryavtsev, Ekaterina Pronicheva, Sofya Trotsenko, Elena og Irina Kuznetsov. Utgivelsesdatoen for boka og presentasjonen vil bli kunngjort senere. ***
Ekaterina Shalina:
Utstilling “Sergey Kuznetsov. Personlig kontakt / arkitektonisk grafikk "i Multimedia Art Museum i Moskva samlet mer enn 120 tegninger og akvareller. Ulike teknikker, forskjellige byer i verden, bygninger og rom. Hva er hovedideen til dette prosjektet for forfatteren?
Sergey Kuznetsov:
- Denne utstillingen - takk for invitasjonen til å lage den og hjelpe til med implementeringen til Olga Sviblova, direktør for MAMM, og hele hans fantastiske team - faktisk en annen form for å si at bymiljøet og arkitekturen, som hoveddel, har veldig sterk innvirkning på menneskelig bevissthet. Uansett om han er klar over dette eller ikke. Dette er en historie om at byen er et interessant fenomen som gir mening å leve så inkluderende som mulig. For meg er tegningen den mest naturlige og nøyaktige metoden for denne "inkluderingen". Men det er andre måter også. Noen som drar ut i byen for å bli kjent med ham eller bli bedre kjent, sjekker med bøker og filmer, noen elsker bare å vandre uten et kart og oppdage noe nytt for seg selv, noen fotograferer eller registrerer deres følelser. Derfor, sammen med grafikken min, dukket opp skjermer med videokollager fra kultfilmer, som formidlet atmosfæren til flere vakre sentre i verden, der jeg var heldig nok til å besøke og tegne gjentatte ganger.
Forbereder du deg på en eller annen måte spesielt for å bli kjent med nye steder?
- Hvis jeg skal til en by som jeg hadde en vag idé om, prøver jeg å lese noe om det på forhånd. Men den mest effektive metoden er å ta en god guide. I Buenos Aires valgte vi for eksempel den konstruktivistiske ruten. Det er vanskelig å gjøre det alene - monumentene er spredt i forskjellige områder, og vi ble rådet av kunnskapsrike gutter som gjennomfører denne ekskursjonen i en autentisk, utmerket bevart lastebil fra 30-tallet. Det viste seg å være en sanntidsreise. Vi gikk i sentrum selv. Jeg må si, Buenos Aires er veldig europeisk i ånden, det minner Paris, bare alt er i sterkt forstørret, amerikansk skala. Grandiose alléer, mye kunstnerisk arkitektur av jugendstil og art deco, bygninger med leddplast, de svarer, reagerer på hverandre med tårn, balkonger, dekor. Byens omfang og storhet betraktes, og samtidig føltes det dessverre at de beste tidene er i fortiden. Hvis jeg drar et sted bare et par dager, så prøver jeg den første dagen å gå rundt så mye som mulig og se underveis skissere og huske å fotografere mulige punkter for plein luften. Og den andre dagen drar jeg ut i byen med en skissebok eller et nettbrett.
Er det planlagt noen gjenstander til tegning før turen? Er det et slags system, et prinsipp for valg av arkitektonisk natur?
- Da vi nettopp begynte å samarbeide med Sergei Tchoban og åpnet SPEECH-byrået i 2006, ble praksisen med å gå til friluft et system. Først var det interessant for meg å tegne de berømte monumentene til verdensarkitekturen - antikken, renessanse, barokk. Jeg tror at de fleste av arkitektene som maler har skisser for strukturene til Forum Romanum eller Colosseum. Vel fremme i Roma fulgte vi i fotsporene til tegningene til Alexander Benois, som på begynnelsen av 1900-tallet oppdaget for seg selv, og et århundre senere for oss, ikke-triviell utsikt over Peterskirken. I Venezia vendte jeg meg også først til den legendariske naturen, som ble portrettert av kjente mestere mer enn en gang - ikke med det formål å konkurrere med dem, men for å trene hånden min og øye på mesterverk, for å forstå proporsjonene, forholdet av detaljer og helheten. Så begynte han sin egen, som minner om en jakt, på jakt etter lite kjente interessante bygninger, punkter og vinkler. Jeg elsker spesielt de venetianske bakgårdene. To skritt fra turistveiene, folkemengdene er borte, og skjønnheten er den samme.
Fra Venezia i personlig arkiv de fleste verkene. Favorittby?
- Venezia har en uimotståelig "narkotisk" attraksjon, og dens natur er ikke helt klar for meg. Enten er poenget at det er vann rundt, eller det faktum at hele byen er fotgjenger. Kanskje hemmeligheten til hans sjarm er i noen genial uregelmessighet, åpenbar for eksempel i hovedbygningene - katedralen i San Marco eller Dogepalasset. Hvordan skaperne deres fant på en så bisarr kombinasjon av former, farger, ornamenter, asymmetri og atektonikk er uforståelig for sinnet. Dette er et fantastisk menneskeskapt miljø der alt er kunst: ikonisk arkitektur fylt med malerier av store mestere, og de vanligste terrakottahusene skapt ikke av arkitekter, men av enkle håndverkere med utmerket smak, hvis navn vi ofte ikke kjenner. Og gondolier med sine vaner og sanger, og iøynefallende Murano-glassprodukter og attributter til en maskerade, til og med service på restauranter er en egen teaterforestilling. Jeg kom først til Venezia for ti år siden, feiret trettiårsdagen min, og siden den gang har jeg feiret bursdagen min der nesten hvert år. Å jobbe med prosjekter for fire arkitektoniske biennaler styrket bare min kjærlighet til denne byen. Det ser ut til at det hele gikk opp og ned, men hver gang noe ukjent oppdages.
Ark fra Venezia viser tydelig hele spekteret av teknikker og materialer - fra en enkel blyant til akvareller. Hva avgjør valget, hva og hva skal man trekke på, for forskjellige gjenstander? Hvordan ble utviklingen fra grafikk til akvarell?
- Naturen i seg selv fører ofte til en slags teknikk. For eksempel er mitt bilde av Venezia dominert av hvite hus med svarte patinaer. En gang prøvde jeg å male dem med hvitt på tonet papir. Selve teknikken er ikke en oppdagelse av Amerika, men i dette tilfellet fremhever den effektivt de pittoreske krater og ødeleggelser som gir byen på vannet sin uimotståelige sjarm. Jeg bruker vanligvis ikke et viskelær eller noe annet som kan rette tegningen. Den som trekker i det fri, vet hvor mye denne prosessen avhenger av vær og lys. Du prøver å gjøre alt raskt, og grovhet vises et sted, noe viser seg å være ufullkommen, men det er teknikker som kompenserer for dette ved å formidle følelser nøyaktig, øyeblikkets tilstand. Og disse inkluderer absolutt akvarell. I løpet av de siste tre årene har jeg brukt det hovedsakelig, jeg anser det som en av de vanskeligste teknikkene, hvis muligheter langt fra er oppbrukt for meg. På et tidspunkt ønsket jeg å komme vekk fra den "dokumentaren", det detaljerte bildet av arkitekturen og gi ut på papir heller følelsene mine fra det jeg ser. Denne tendensen har manifestert seg før. For eksempel, taket på en pagode og en port i Kyoto, tegnet med en enkel blyant, "flyr faktisk ikke" så dashing, men jeg ønsket å forbedre funksjonen som er angitt i ekte arkitektur, og på arket animerte denne overdrivelsen. Akvarell oppfyller min oppfatning av verden fullt ut. For eksempel, i virkeligheten er det kanskje ikke så lange skrå skygger som vises i noen komposisjoner, men det er disse skyggene som gir bildet dynamikken og energien i bymiljøet jeg føler.
Skildrer arkitekter og kunstnere arkitektur annerledes?
- Man kan argumentere for at en analytisk og arkeologisk tilnærming er nærmere arkitekter, og en romantisk og emosjonell tilnærming til kunstnere. At arkitekter ofte bygger former med linjer, skyggelegging og elsker monokrom, og kunstnere tar mer hensyn til fargeflekker og lysluftmiljø. Men dette er ikke en regel som bekreftes av arbeidet mitt. Hovedforskjellen er at arkitekter, selv i prosessen med spontan, gratis tegning fra naturen, mottar visuell informasjon, som deretter på en eller annen måte brytes i deres profesjonelle aktiviteter. I min praksis under arbeidet mitt i SPEECH, fra "portretteringen" av gotiske katedraler, ble Aquatics Palace født i Kazan med sine lansettstrukturer, om enn av et annet materiale - tre. San Marco-kuplene påvirket den kuplede formen til den sentrale hallen i den russiske paviljongen til Venezia-biennalen i 2012, da vi viste prosjektene til innovasjonsbyen Skolkovo. Og prinsippet om marmorens fargelayout på veggene til Santa Maria dei Miracoli dannet grunnlaget for kledningen av bygningene til "Nevskaya Ratusha". Det er mange andre eksempler også.
Hjelper tegning arbeidet til sjefarkitekten i Moskva, med ideer som kan implementeres i en byplanleggingsskala?
- Det hjelper selvfølgelig. Hvis jeg for eksempel ikke hadde malt High Line Park i New York, lagt ut på sporene til en lukket lett metro, ville jeg ikke så mye forsvart deltakelsen til skaperne Diller Scofidio + Renfro i design og konstruksjon. av Zaryadye Park. Dette territoriet i New York er fantastisk. Du er samtidig omgitt av "vill" natur og byen. Ikke en skog eller en bypark, men noe annet. Dette er en virkelig nyskapende ide om landskapsmessig urbanisme, som jeg håper vil bli implementert fullt ut i sentrum av Moskva. Da jeg ble sjefarkitekt, gikk reisetiden naturlig ned, men jeg begynte å male mer av Moskva. Jeg fant mange steder for plein-airs på sentrale gater og i baner, på fyllinger og på VDNKh, i industriområder og på byggeplasser for gjenstander som blir reist og rekonstruert med min personlige deltakelse - dette er Zaryadye-parken og Luzhniki-stadionet. Gjennom tegning lærer jeg å forstå og forstå byen vår dypere. Det virker for meg at skjønnhet, et objekt som er verdig til et bilde, kan bli funnet i alle områdene. Og selvfølgelig fortsetter jeg å ta med meg blyanter, børster og maling på alle turer. Av de siste var turen til Bukhara spesielt fruktbar - jeg tok med mange akvareller.
Hvilket inntrykk gjorde Bukhara?
- Dobbel. Byen er ikke liten, i sentrum er det fantastiske monumenter, i god stand, men den er nesten tom, det er få turister. Varmen - og jeg var i mai - er forferdelig, 38-40 ° C. Alle leter etter frelse i skyggen. Og også på grunn av temperaturen foregår alt liv i gårdsplassene. Hvis du ser ovenfra, er hele byen kuttet i firkanter - enetasjes hus vender mot gatene med blanke vegger, det er ingen offentlig front, du går som en labyrint, og bare smale passasjer fører inn, til privat territorium. Introvert by. All arkitekturen er betinget av klimaet. Ta for eksempel portaler med nisjer rikt dekorert med keramikk. Nisjer skaper effekten av en trakt som får luften til å kjøle seg ned før de kommer inn i rommet. Fargene er egentlig de samme som i maleriene til Vereshchagin - turkis, oker, skarpe kontraster av lys og skygge. Folk er vennlige, imøtekommende, mange bruker nasjonale klær, menn bruker hodeskaller - et veldig fornuftig hodeplagg som beskytter mot overoppheting. Mange kan tre språk hver - tadsjikisk, usbekisk og russisk, noe som indikerer et høyt potensial. Og samtidig er det klart at de lever generelt dårlig, privat virksomhet er knapt utviklet - på nivået med handel med keramikk og hodeskaller, som selges uten emballasje. Det er ingen markedsføring som sådan. Selv om arkitektur, mat og samme keramikk kunne bli nasjonale merker, kunne turismen utvikle seg mer intensivt. Men den strenge kontrollen av alt fra staten, som vi personlig møtte i manifestasjonen av overdreven inspeksjon ved grensen, begrenser åpenbart entreprenørskapets frihet.
Utstillingen vil pågå til 10. september.
