Den aktuelle paviljongen ble kalt italiensk for noen år siden (selv om prosjekter fra kuratorene til Biennalen ble vist der i lang tid, og ikke en nasjonal utstilling). I 2010 ble det omdøpt til Palace of Exhibitions, noe som ga Italia plass i Arsenal, og denne gangen endret det navnet til et mer beskjedent: nå er det bare sentralt.
Den nyklassiske fasaden er nå bevisst "vansiret" av to prosjekter samtidig. En av dem er den store balkongen, et bevisst upreparerende vedlegg laget av tre og lerret, og fungerer som den eneste inngangen til paviljongen. Dette er etableringen av kuratoren Alison Crowshaw, som leder forskergruppen om problemet med ulovlig konstruksjon i Roma. I følge henne er 28% av alt som er bygd der etter krigen, knebøy. "Stor balkong" er en påminnelse om transformasjon av balkonger til fullverdige rom, den vanligste formen for en slik "amatørforestilling". Det ble opprettet fra deler av et ulovlig oppført møteromsvedlegg i Borgheziana-området, og etter slutten av Biennalen vil den vende tilbake til sin opprinnelige beliggenhet i Roma.
Foran paviljongen er det en bred benk laget av mørkegrå murstein, som bevisst bryter den sentrale symmetrien i smuget som fører til portikken til bygningen. Nesten umiddelbart etter inngangen blir det funnet vegger av samme materiale som skjuler den uferdige restaureringen av den 6-sidige hallen, og danner en vestibule med en kompleks plan: dette tvinger den besøkende til å bremse før han begynner å se på utstillingen. Forfatterne av prosjektet er det tyske byrået Kuehn Malvezzi.
Et slående eksempel på samarbeid og jakten på en "felles grunn" som er erklært i temaet for Biennalen, er prosjektet til det irske byrået GRAFTON og den brasilianske Pritzker-prisvinneren Paulo Mendes da Rocha. Etter å ha mottatt en ordre på en universitetsbygning i den peruanske hovedstaden Lima, vendte arkitektene seg til en lignende stil - med ekko av brutalisme - en mester fra São Paulo for råd om klimatiske forhold. Som et resultat berørte diskusjonen en rekke temaer, og GRAFTON opprettet en installasjon som en hyllest til Mendes da Rocha: modellene av deler av Serra Dourada stadion i Goiânia er fysisk imot modellene fra den peruanske og andre universitetsbygninger. av det irske verkstedet (sammen danner de en sirkel). I krysset mellom disse temaene oppstod tolkningen av universitetet som en arena for læring.
Alle de tre "dyder" av arkitektur, oppført i manifestet til den toårige kuratoren David Chipperfield - kontinuitet, kontekst og hukommelse - gjenspeiles i det store "Campo Marzio Project", utført av skolen for arkitektur ved Yale University. Den var basert på en serie graveringer av JB Piranesi "Field of Mars of Ancient Rome" (1762) - forfatterne prøvde å rekonstruere dette gamle territoriet. Moderne tolkninger av et imaginært rom og alle slags spekulasjoner (å vise plass til dem er et av målene med prosjektet) presenteres i fire seksjoner. Peter Eisenman handlet i to skikkelser: som Yale-lærer og initiativtaker til prosjektet overtok han selve Campo Marzio-prosjektet, hvor Piranesis rekonstruksjon blir analysert i henhold til formelle kriterier (symmetriakser osv.) Som et "arkitektonisk eksperiment", og som leder utviklet sitt eget kontor sitt favoritt tema for diagrammer og mottok "Field of Schemes", hvor "komposisjonsestetikken" til barokkarkitekten "blir til en palimpsest av romlige og timelige kvaliteter mellom det romerske imperiet og moderniteten."
The Wall of Walls av Pier Vittorio Aureli og Martino Tattara (Dogma, prisvinnere av Yakov Chernikhov-prisen 2006), der alle bygninger ble erstattet med parallelle linjer; påvirkningen av italiensk postmodernisme kjennes både i ideen og presentasjonen av prosjektet. Den siste reinkarnasjonen av Campo Marzio er "Field of Dreams" fra Ohio University School of Architecture, der "lidenskap, besettelse og skuespill" i det gamle Roma blir omgjort til "moral" i moderne arkitektur: for eksempel til gammel "landemerker" som Pantheon, med den erklærte forfatteren av keiser Hadrian (mer enn kjendis, for å være sikker!) la til lyse prosjekter fra de nåværende "stjernene" - Peter Eisenman, UNStudio, Greg Lynn og andre.
Chipperfield klarte også å finne en felles plattform mellom Vesten og Østen, i motsetning til oppfatningen fra hans berømte landsmannedikter. Parallelt med prestasjonene innen restaurering av historiske monumenter og tilbakevending av det historiske miljøet til "aktivt liv" av Aga Khan Development Network, som arbeider i muslimske land, og prosjektene til Mario Piana, utført i hjertet av Europa, vises til hverandre. Sistnevnte rekonstruerer forsiktig monumentene i Venezia for senere bruk, blant hans siste prosjekter, for eksempel transformasjonen av Palazzo Grimani til et museum, samt arbeid i Arsenal.
"40.000 timer" er også viet til mer enn et generelt tema - mock-ups som læringsoppgaver. Navnet gjenspeiler hvor mye tid studentene brukte på dusinvis av modeller som vises her, og anonymiteten til modellene som er plassert i hyllene, tilføyer intriger til denne utstillingen, og understreker mangfoldet av ideer som er født i læringsprosessen og hvor forskjellig den kreative potensialet til unge designere kan være - her er verk fra universitetsstudenter Paris, Oslo, Sao Paulo, München, Ljubljana, Venezia og mange andre byer i verden.
OMA-byrået vendte seg igjen, som i 2010, til spørsmålet om idealismene til modernismen. Men hvis det bare var en liten del av Cronocaos-utstillingen, har arkitektene nå presentert en fullverdig studie om bidraget fra "anonyme byråkrater" - arkitekter i kommunal tjeneste - til bylivet. Eksempler som vises er Michael Farraday Memorial og Hayward Gallery i London, Val-d'Oise prefektur i Pontoise, Nanterre School of Architecture og Wibautshuis Public Works Office-bygningen i Amsterdam. Prosjektene med senmodernisme og brutalisme, som nå har størst risiko for riving, ble ikke valgt tilfeldig - selv om det ikke er nevnt direkte her, er det velkjent at Rem Koolhaas ser årsaken til en så hensynsløs holdning til disse objektene. i anger som nåværende tjenestemenn føler. De overlot bybefolkningenes velferd til handelsmennene og ønsker ikke å se foran dem en påminnelse om de dagene da alt var annerledes.
Utstillingen "The Banality of Good" av Crimson Architecture Historians er omtrent den samme. Forfatterne spores en trist trend: Etter andre verdenskrig ble nye byer gradvis fra et modernistisk paradis for alle til et inngjerdet samfunn for velstående borgere, det generelle velvære ble erstattet av markedets allmakt, og innbyggerne ble overlatt til sine egne enheter. Tidlige, men humane eksempler inkluderer britiske Stevenage (1946) og Tema i Ghana (1956), blant de siste kommersialiserte og individualistiske eksemplene er kong Abdullahs økonomiske by i Saudi-Arabia (2006). Hver by illustrerer et fototrykk: Venstrefløyen gir svar på spørsmålene "fra hvor" og "for hvem", i sentrum forteller den om byverdier og ambisjoner, på høyre side - om planleggerne, deres kunnskap og kuratorer for prosjektet i regjeringen. Bruken av religiøs ikonografi er et tydelig forsøk på å minne om viktigheten av en ansvarlig tilnærming til byplanlegging (i ordets bokstavelige forstand) for samfunnets liv.
Pasticho-utstillingen av Caruso St. John er et eksempel på Chipperfields presise henrettelse. Disse britiske arkitektene inviterte kolleger til å delta i utstillingen, slik kuratoren til biennalen hadde til hensikt. Grunnlaget for valg er å arbeide med arv, men ikke formell etterligning, men åndelig slektskap. Dette er så gjennomtenkte gjenoppbyggingsprosjekter som den nye utstillingen av London Soane Museum av "lederne" for utstillingen selv, og verkene til sveitseren Peter Merckley, som bevarer ekko av tradisjon i strenge modernistiske bygninger.
Et annet universelt tema er arkitekturmagasiner. Steven Parnells prosjekt forteller om etterkrigstidens Domus, Casa Bella, Architecture Review og Architecture Design, på hvilke sider diskusjoner om de mest presserende spørsmålene utspilte seg. Der kan du ikke bare se de mange omslagene til de navngitte utgavene, men også lese utgavene av denne "heroiske" perioden med arkitektonisk kritikk, og også tenke på sin plass i den moderne verden.
MVRDV viser en video fra forskningsprogrammet Why Factory som utforsker et alternativ til stive regler for enhver byggeaktivitet. I følge nederlenderne, hvis hver person tar det fulle ansvaret for konstruksjonen - inkludert å gi den vann, elektrisitet osv. (Uansett nettverk!), Vil dette føre til en mer effektiv organisering av offentlige ressurser og rom enn den lansert ovenfra. og vil muliggjøre rasjonell planlegging.
Det var også obligatoriske "stjerne" -utstillinger, selv om de var mindre viet til selvforherligelse enn til generelle arkitektoniske spørsmål: Jean Nouvel snakket om prosjektet for gjenoppbygging av trafikkrysset Slussen i Stockholm, Alejandro Aravena og Elemental - om deres kamp med konsekvensene av jordskjelvet i Chile (på å plante trær i kyststripen for tsunamibeskyttelse, nye typer midlertidige boliger osv.), Norman Foster på HSBC-bygningen i Hong Kong 30 år etter levering.
Blant de uventede prosjektene - "Thepis's Carriage" av L. O. M. O. Dette er en mobil scene for forestillinger, oppkalt etter den gamle greske dikteren - den legendariske "oppfinneren" av tragedien. Ideen om likheten mellom byens rom (det vanligste grunnlaget for arkitektur) og teatret ble støttet av en forestilling av DER BAU-gruppen fra Berlin Academy of Theatre Arts av Ernst Busch.
Olafur Eliasson viste sitt Little Sun-prosjekt. Det er ikke bare et kunstverk, men også et viktig element - en soldrevet lampe. Nå lever rundt 1,6 milliarder mennesker i utviklingsland uten tilgang til strømnett, og slike billige små lamper vil hjelpe dem å overleve i mørket.
Fra antikken til fremtiden, fra det generelle til det spesielle - deltakerne på Biennalen fra Central Pavilion var i stand til å gjenspeile de viktigste kulturelle og arkitektoniske trendene i tiden i sine prosjekter, slik kurator David Chipperfield forventet fra dem.
