På en pressekonferanse i forkant av åpningen av Biennalen, roste presidenten, Paolo Barrata, kurator Aaron Betsky sterkt for å antyde det vanskelig å forstå mottoet "Der ute" for den arkitektoniske utstillingen som nå finner sted i Venezia - den mest representative arkitekturen utstilling i verden. Arkitektur utover bygningen '. Ifølge Barrata er dette emnet mangesidig, meningsfullt og fruktbart. Det provoserer kreative søk og derfor er den nåværende arkitektoniske biennalen kanskje den beste de siste ti årene. Kurator Aaron Betsky aksepterte komplimentet gunstig - hvorpå han måtte svare på spørsmålene til journalister i lang tid og forklarte at han faktisk elsker bygninger og ikke hadde til hensikt å gjøre den arkitektoniske biennalen til en gren av Biennalen for samtidskunst, og også at han overhode ikke er utopisk, ikke svever i skyene og drømmer går i oppfyllelse.
Så temaet som Betsky satte i tvetydighet ser ut til å ha overgått alle tidligere utstillinger. Videre kan den oversettes på forskjellige måter - enten "utenfor" eller "før" eller "over". Et annet ord 'hinsides', nå limt inn over hele Venezia (spesielt mye i den italienske paviljongen) er oversatt som "etterlivet". Dette gjenspeiler uventet det faktum at kuratoren for Biennalen har definert bygninger som "arkitekturgraver" - arkitektur, etter hans mening, er en måte å tenke på bygninger, og når de bygges, dør den. I Venezia, en museumsby som rolig synker under vannet, høres dette spesielt beroligende ut og vilje til å huske den russiske byen Kitezh.
Kuratorens oppgave må imidlertid forstås motsatt - han ønsket selvfølgelig ikke å drepe arkitekturen, men å gjenopplive den (og utstillingen) på vanlig måte - ved å gå utover rammen av selve arkitektoniske verden. på jakt etter fornyelse. Aaron Betsky oppfordret biennaldeltakerne til å eksperimentere, og henvende seg til feltene kino, kunst, design, landskapsarkitektur og ytelse. Eksperimenter, sa han, kan ta form av midlertidige strukturer, så vel som bilder "noen ganger uklare."
Sistnevnte ser ut til å være en viktig del av Betskys konsept. Usikkerhet er kaos, og ut fra kaos skal noe nytt bli født. Anta at hoveddrømmen til enhver kritiker og teoretiker ikke bare er å beskrive den observerte prosessen, men også å påvirke den. Når dette skjer, dukker det veldig kraftige, teoretisk forankrede trender opp i kunsten. Når vi går tilbake til arkitektur, er det lett å legge merke til at etter entusiasmen for fremveksten av ikke-lineær arkitektur de siste årene, har det ikke skjedd noe spesielt i den, stagnasjon er skissert. Biennalen er den mest innflytelsesrike arkitektoniske utstillingen, og det er ikke overraskende at det var med sin hjelp Betsky gjorde sitt forsøk på å "vekke" moderne arkitektur, for å skape kaos, som det forventes noe nytt å komme frem fra. Kaos kan imidlertid være annerledes - produktivt og destruktivt, kaos av generasjon og ødeleggelse (noen ganger utvikler det seg imidlertid til en annen). Kaos kan også være naturlig, stamme fra naturlige årsaker, og noen ganger er det kunstig, og det ser ut til at kaoset som kuratoren prøvde å skape på sin biennale, bare er kunstig. Men om han er produktiv eller ikke - det vil være mulig bare med tiden å forstå. Hvis den måten om ti år denne biennalen vil bli referert til som en milepæl - så var ideen uten tvil en suksess. Hvis ikke, mislyktes det.
I mellomtiden kan vi bare la oss styre av følelser. Den italienske paviljongen, helt dedikert til eksperimentell arkitektur, gir inntrykk av et kjedelig kaos. Det er mange utstillinger (55), mettet med tekster og små bilder, som av og til er ispedd modeller og installasjoner - sammen smelter alt dette sammen til en masse som er vanskelig å oppfatte, også fordi tekstene er veldig mystiske steder - tilsynelatende for for å oppnå de veldig "noen ganger uklarheter." For å fortynne mangfoldet av ungdomseksperimenter, samt å vise hvordan man skulle eksperimentere nøyaktig, ble det plassert salene til ærverdige "stjerner" med underteksten "Experiment Masters". I en av dem er det et maleri av Zaha Hadid, som virkelig ligner avantgarde på 20-tallet, men bare litt mer dekorativt og derfor vakkert - selv om det ved siden av disse maleriene er laget et teppe laget etter hennes motiver ser for passende ut på gulvet. I den andre er det doodles av Frank Gehry, som mottok Golden Lion i år for sitt "livsbidrag". Doodles - oversatt som "klatter", det som blir tegnet ufrivillig, men i dette tilfellet også det som er støpt, brettet, krøllet med varierende grad av ufrivillighet - prototyper av Gehrys arkitektur - som altså er født ut av doodles. Men det mest bemerkelsesverdige av alt er installasjonen av Herzog & De Meuron, laget i samarbeid med den kinesiske kunstneren Ai Weiwei: den romslige hallen ved inngangen til paviljongen er helt okkupert av en struktur av lange bambusstenger, som er festet bambus stoler, og henger dermed i luften. Det ble ganske luftig og veldig mystisk.
Utstillingen i Arsenal, hvor Betsky plasserte installasjoner av kjendiser han inviterte, skaper en følelse av kaos, ikke kjedelig i det hele tatt, men kraftig, veldig uttrykksfull, dyster og skremmende. Kanskje dette er fordi selve Corderi-rommet er stort og mørkt, de tykke runde søylene ligner en grovt laget romansk katedral, men Corderi er lengre enn katedralen, og skiftet av haller på et tidspunkt virker uendelig. Og installasjonene er store, de er innskrevet i stor skala i dette rommet og låner fra det skalaen og omfanget.”Stjernene” ble ikke invitert forgjeves, hver arbeidet profesjonelt, installasjonene er solide, gjenkjennelige og lyse - Corderi ble til en serie bilder - til en utstillingsattraksjon. Dette er bra for utstillingen, men ikke veldig bra for kuratorens intensjon, for blant manifestene til den nåværende biennalen blinket tanken om at arkitektur-attraksjon ikke er veldig bra, og arkitektur bør tenke på hvordan vi skal få oss til å føle at vi er i denne verdenen "som hjemme". Denne ideen - om "å være hjemme" - gjentas mange ganger i Betskys tekster og ser ut til å være en av de viktigste. Men stjerneinstallasjoner fremkaller på ingen måte "hjemmefølelser", men genererer heller angst.
Et annet problem er anerkjennelse. En gang i Arsenal eksperimenterte ikke stjernene på jakt etter vage bilder av noe nytt eller annet, men tvert imot - hver viste at han kan. Bildene kan være vage et sted, men deres betydning virker liksom den samme - alt dette er en oppsummering av kreative konsepter, resultatet, ikke begynnelsen, fortiden, ikke fremtiden. Frank Gehry er veldig gjenkjennelig: han bygde et fragment av fasaden, i likhet med Bilbao, av tre og leire. Konkave overflater blir gradvis belagt med leire, den tørker og sprekker. Dette gjøres sakte, ved slutten av Biennalen i november vil hele "fasaden" bli belagt med leire: slik har installasjonen ytelsesegenskaper, som er dynamisk, men utseendet er fortsatt vendt tilbake - ser på denne forestillingen, husker du Bilbao, og det hele virker stort og en spektakulær utstillingsstand designet for å vise frem den mest synlige delen av Gehrys portefølje. Det samme skjer med Zaha Hadid - hun installerte sin neste flytende form i Arsenal, som det står skrevet i forklaringen om at hun er prototypen på møbler. Men Zaha Hadid har designet slike usannsynlige møbler i lang tid. En lignende gjenstand ble installert av Zaha inne i Villa Foscari til ære for 500-årsjubileet for Andrea Palladio; men hva er interessant - inne i Palladio eller i Arsenal - veldig like ting, så hva er poenget? Greg Lynn la til litt humor - å lage møbler også, men fra "resirkulerte leker". Lekene viste seg å være lyse skulpturer, som, må jeg si, tok minst plass - for dem tildelte juryen "Golden Lion".
I tillegg til ovenstående er det mange imponerende bilder i Arsenal. Den lacy spindelvevinstallasjonen av Matthew Ritchie og Aranda Lush "Evening Line" ser vakker ut. Den består utelukkende av ornamentikk - delvis skåret ut av metall, delvis består av skygger og videoprojeksjon, innskrevet i et metallmønster på veggen. Hva dette betyr er uklart (hva var målet?), Men det ser fristende og relevant ut - nå elsker arkitekter ornamenter. Unstudio plasserte i Corderi et voluminøst objekt på størrelse med et lite rom, buet som en Mobius-stripe - dette objektet er kjent for det faktum at det kan føres inn. Tvert imot er gjenstanden til Fuchsas-familien skissert av en gul linje som anbefales å ikke krysse (som ingen observerer): dette er to gigantiske grønne varebiler med små vinduer som du kan se hverdags scener i stereo kinoformat. Dealeren og Scorfidio oppførte seg veldig enkelt - deres installasjon sammenligner videoene med to Venezia - en ekte og en leketøyamerikaner fra Las Vegas. Det er uklart hvordan dette avslører Betsky-temaet, men i Venezia ser det flott ut og stolene er stadig okkupert. Barkow Leibinger bygde en "nomadisk hage" fra laserskårne metallrør - på grunn av materialets homogenitet og løsningens enkelhet, er det etter min mening en av de bemerkelsesverdige installasjonene i Arsenal. Men Philip Rahm gjorde oppmerksom på installasjonen hans ved at det i de første dagene av utstillingen (jeg vet ikke hvordan senere) var to nakne mennesker som lå der, og ved siden av dem spilte fire hiphiskledde mennesker en slags gitar musikk: prosjektet er viet til global oppvarming, men det er her som følger? Av nakenhet?
Så delen av utstillingen, designet for å svare på kuratorens kall, består av 55 små utstillinger i den italienske paviljongen og 23 store installasjoner i Arsenal. Alt i alt legger de opp til et forsøk på å vekke arkitekter - fra kommersiell praksis til "papir" -fantasier - for fornyelsens skyld, en tur, generelt, fødselen av noe nytt. I følge kuratoren representerer paviljongen i Italia både fortid og fremtid for denne prosessen: ungdomsutstillinger - håp for fremtiden, retrospektive utstillinger av mestere - en slags lærebok om hvordan man kan eksperimentere. Alt dette suppleres av Bezkis artikkel om historien om etterkrigstidens modernistiske eksperimentering - dens opprinnelse kuratoren sporer til den politiske krisen i 1968 og energikrisen i 1973. Becki navngir navn, bygger en historie og inviterer unge arkitekter til å fortsette den. Arsenal-utstillingen, derimot, gir samme oppfordring til eksperimentering til ærverdige mestere - i teorien bør hele arkitektmiljøet som et resultat være involvert i prosessen med å lage "klatter" - hvorfra en ny tankegang, ny vri, vil senere skje. Så hva skjer? Ungdomsutstillingen viste seg å være grunne og overmettede (selv om du, hvis ønskelig, kan se interessante ting i den) - og "stjernen", i stedet for dynamikk og nyhet, gjengav "stjernene" sine egne teknikker. Impulsen til kunstig å injisere kreativt kaos i arkitekturen ser ut til å ha mislyktes. Kanskje fordi det er kunstig? Selv om det - som allerede er sagt - først etter ti år, vil det endelig bli klart om dette forsøket i det minste har båret frukt og om det har ført til en vending. I mellomtiden, ser det på eksponeringen, virker det lite sannsynlig.
Men her er det rare. Det er uklart om Betsky vekket arkitektene. Men de naturlige kreftene, må man tro, vekket. Det var lett å legge merke til at åpningsseremonien til Biennalen, som kuratoren i manifestet hans uttalte at det ikke er det viktigste i vår verden å beskytte oss mot regn, falt på et slikt regnskyll som sjelden skjer i Venezia. På grunn av dette regnet måtte åpningen flyttes fra Giardini til Arsenal - og en mengde våte og frosne journalister sto foran inngangen. Men det ville fortsatt være ingenting. Så når alt kommer til alt, argumenterte det for viktigheten av økonomiske og andre problemer for utviklingen av konseptuell tanke, kuratoren for den nåværende biënnalen, tilsynelatende, ikke bare regn, men også krisen. Krisen er åpenbar. Vi venter på eksperimenter.
Botanikere og nomader
Mens han tolket sitt forvirrede tema for publikum og deltakerne på biennalen, snakket kurator Aaron Betsky hovedsakelig apofatisk, det vil si fra det motsatte. Ikke en bygning, fordi den er en grav av menneskelige håp og naturressurser, ikke en utopi eller en abstrakt løsning på sosiale problemer - men bilder og gåter å drømme om. Han ba om å gå utover bygning og arkitektur som en disiplin - og eksperimentere. Men han sa ikke nøyaktig hvor han skulle dra, og beholdt det gåtefulle mysteriet.
Alle reagerte på dette mysteriet på forskjellige måter, med kino, design og møbler. Mange kritikere anså Arkitekturbiennalen for lik Biennalen for samtidskunst og mistet dermed sin profesjonelle spesifisitet. Etter å ha gått utover rammene, kan du ikke bare vinne, men også tape - dette er generelt sett en spennende, men også farlig okkupasjon - å krysse grenser.
Den mest åpenbare måten å svare på emnet på, viste seg imidlertid å være den mest enkle: bare forlat bygningen. Det ville være nysgjerrig om utstillingshallene i det hele tatt sto tomme, og utstillingene ble knust utenfor, men Biennalen nådde fremdeles ikke en slik grad av litteralisme. Imidlertid når det gjelder flukt fra arkitektur til natur og konstruksjon der, utenfor forskjellige "midlertidige strukturer", kunne arkitektene vende seg til den rike opplevelsen fra sovjetiske sommerboere - de flyktet også fra modernismens forfall og, etter å ha rømt, satt opp en grønnsakshage.
Den største grønnsakshagen på Biennalen ble bygd av Gustafsons. En del av den lianadekkede ville vegetasjonen i Jomfruhagen, som ligger ved kanten av Arsenal, på stedet for et ødelagt benediktinerkloster - ble dyrket av det britisk-amerikanske prosjektet "gjennom paradiset" (mot paradis). Kål, løk og dill (metthetssymboler) er ispedd blomster, i midten av sammensetningen er det en bakke som krummer som en snegl, dekket med pent gress. Urtsneglen er ment å være et sted å se, med sitteputer plassert på den, men på en regnfull dag med åpning svevde bare hvite kuler over den kuperte plenen. Videre, i det gamle kapellet (eller kirken?) Plasseres stearinlys i hyllene langs veggene, og de latinske navnene på forsvunne dyr og planter er skrevet på veggene (det er ganske mange). Det må innrømmes at dette landskapsprosjektet er det mest ambisiøse på Biennalen. For hans skyld kappet de til og med flere gamle trær, noe som ikke er velkomne i Venezia.
Temaet paradis passer forresten godt inn i kuratoriet ‘der ute’ og ‘utover’ - det er ikke noe mer verdslig enn paradiset. Det avsløres på sin egen måte i den tyske paviljongen: epler vokser på grener som sitter fast i potter, dråper med grønn væske er festet til grenene. Hvorvidt fruktene selv vokste på tynne stiklinger og hvordan dette ble oppnådd, blir ikke forklart, men den symbolske utstillingen er ledsaget av argumentet om at mennesker, som prøver å skape et paradis på jorden for seg selv, ødelegger hele økosystemer for dette teknogene paradisets skyld.. Epler under droppere bør trolig representere et menneskeskapt paradis.
Japans paviljong er omgitt av blomster, plassert i kortvarige strukturer som ligner omrissene av tårn flettet med grøntområder. Dette er ordninger av bygninger med flere etasjer bebodd av vegetasjon - de er også avbildet inne i paviljongen på veggene med blyant. I tillegg til tegninger er det ingenting annet i paviljongen - den er helt hvit, som et slags papirark vippet over i interiøret. Mange likte denne lakoniske og kontemplative paviljongen på en syntetisk måte.
Den amerikanske grønnsakshagen er mindre og ikke så dyp, men sosial - den er spesielt viet til å oppdra barn gjennom hagearbeid (denne typen utdannelse praktiseres nå i mange klostre i vårt land). Amerikanerne gjemte den keiserlige doricaen av fasaden bak et gjennomsiktig nett, satte opp en grønnsakshage foran kolonnaden og fylte paviljongen med alle slags sosiale prosjekter. En veldig seriøs og mangfoldig ‘økotopedia’, et leksikon om miljøproblemer, er distribuert i den danske paviljongen.
Miljøtemaet er også populært blant eksperimentelle prosjekter i den italienske paviljongen. Ideene er imidlertid for det meste kjente: grønne byer, der det er en skog under, og teknologi og sivilisasjon "på andre nivå" og grønne skyskrapere, hvorav man er spesielt merkbar - Julien de Smedta, et prosjekt beregnet på kineserne byen Shenzhen, som ligger på fastlandet overfor Hong Kong. Dette er en gigantisk skyskraper, bebodd like av mennesker og grøntområder, som ifølge forfatterne skal erstatte de skogkledde fjellene som har forsvunnet i dette området og bli et stort menneskeskapt fjell. Uansett hva vismannen fra Cincinnati sier om fordelene med vage inspirasjoner, ser et ekte prosjekt veldig fordelaktig ut mot deres bakgrunn.
En annen måte å flykte "fra bygningen" er å gå til hytta. Merkelig nok er han ikke veldig populær, men han er nær oss i ånden. Hoved "hytta" i form av en yurt ble bygget på Arsenal-vollen av Totan Kuzembaev og plassert i en liten bil. Poenget er å kombinere det nomadiske tilbehøret til to kulturer - eldgamle og moderne. Fra moderne sivilisasjon, inne i yurten, er det forskjellige tekniske tilbehør, mobiltelefoner, bærbare datamaskiner osv., Som ikke brukes til det tiltenkte formålet, men som attributter til en sjaman. For å overleve i den moderne verden - skriver Totan Kuzembaev i forklaringen til "Nomad", må du justere. Og så vil det oppstå noe nytt, eller globalismen vil svelge alt, som vil være trist - avslutter han.
På den annen side, mellom Arsenal og Gustafsons paradis, bygde kinesiske arkitekter flere forskjellige hus - laget av esker, kryssfiner, hardboard - husene er store, tre etasjer, men inni er det ubehagelig og trangt, som på et tog. Pergolahytten bygget av Nikolai Polissky på terrassen til den russiske paviljongen, passer også inn i samme rad - en vakker struktur, men dessverre ikke særlig merkbar på grunn av det faktum at den ligger på siden av lagunen.
Det er også en mer abstrakt måte å forlate - for eksempel fra form til lyd og video. Her er en vakker og helt uarkitektonisk paviljong i Hellas, som består av interaktive piedestaler med skjermer og hodetelefoner med byens lyder. Det er mørkt med glødende plasttråder hengende.
Og til slutt kan du komme vekk fra arkitekturen ved å tømme paviljongen - dette ble gjort i paviljongen i Belgia, hvor fargerike konfetti er spredt på gulvet ("Etter festen"), eller i Tsjekkoslovakia, hvor det er morsomme kjøleskap med mat sett for forskjellige tegn.
De fleste av deltakerne tolket temaet flittig, men det er også skummel - de som, i motsetning til mottoet, fremdeles viste bygningene. Tross alt trenger ikke nasjonale paviljonger å følge temaet. Stor er den britiske paviljongen, hvor en dyr, nøye utformet utstilling er viet fem arkitekter som bygger boliger i britiske byer. Det viser seg at nå i Storbritannia - hjemlandet til hagebyen og nye typer boliger på begynnelsen av 1900-tallet - bygges stadig færre boliger. Paviljongen i Frankrike er fylt med mange modeller: hver av dem er plassert i en gjennomsiktig plastboks og festet til veggen med en bevegelig konsoll - du kan vri modellene mens du ser på dem. Arkitekturen i Spania er også vist i detalj og tradisjonelt - med bilder og modeller. For første gang på mange år inkluderer denne raden den russiske paviljongen, som - litt senere.
Russere i Venezia
Det skjedde slik at blant folket jeg var i stand til å snakke med i Venezia, vurderte journalister Aaron Betskys konsept for det meste positivt, mens arkitekter stort sett var negative. Det er selvfølgelig unntak, men i det hele tatt er det åpenbart - arkitekter kommer til Venezia for å se på arkitektur, og det nesten fullstendige fraværet var ikke den hyggeligste overraskelsen for dem.
I den russiske paviljongen skjedde alt omvendt: det er ikke vage provinser som vises, men bygninger, mange bygninger. Tidligere, da prosjekter og realiseringer ble utstilt på Biennalen, ble installasjoner arrangert i den russiske paviljongen, og nå, da det endelig ble bestemt å vise ekte arkitektur, formulerte Aaron Betsky den stikk motsatte “oppgaven”. Temaet er imidlertid ikke obligatorisk for den nasjonale paviljongen … Burde vi for første gang ha forkastet ideen om å vise et stykke ekte russisk arkitektur og tilpasse oss mottoet? Vanskelig å fortelle. Men strengt tatt er det åpenbart at temaet som Betsky setter for biennalen tilsvarer situasjonen med en viss kjedsomhet og metthet med "stjerner" som har utviklet seg i verdensarkitekturen. Og temaet, satt av kuratoren for den russiske paviljongen, Grigory Revzin, er i tråd med situasjonen med byggeboomen i Russland. Og utstillingen representerer ganske nøyaktig et øyeblikksbilde av russisk arkitektur i dag. Inkludert varieringen og mengden som er karakteristisk for den, den aktive, vitale og ikke veldig kontrollerte veksten av forskjellige bygninger.
Utstillingen består av to deler. Øvre etasje er okkupert av moderne prosjekter og bygninger - den har tre haller, en hovedbygning og to ekstra. Designerne Vlad Savinkin og Vladimir Kuzmin bestemte dem i tre forskjellige farger: den første salen, som viser den elektroniske katalogen, er hvit, den tredje salen - den inneholder utviklere, er svart, og den viktigste, sentrale salen er rød. Gulvet er foret med sjakkceller, de røde er bygningene til russiske arkitekter, de hvite er modellene laget i henhold til utformingen av utlendinger som bygger i Russland. I følge kuratorens idé foregår et betinget sjakkspill mellom modellene til russere og utlendinger - som fremhever temaet for konkurranse mellom "lokale" og "fremmede" arkitekter.
Den andre delen av utstillingen er trekonstruksjonene til Nikolai Polissky, ennå ikke arkitektur, men som definert av kuratoren for den russiske paviljongen Grigory Revzin, et uttrykk for drømmen om det russiske landskapet. Polisskys verk gjennomsyrer den russiske paviljongen - i hallen i første etasje danner de en skog som er tynnet av lysflekker. På samme sted, i neste sal, vises hovedverkene til Polissky og - videoer - prosessen med deres opprettelse av styrkene til et godt koordinert team av innbyggere i landsbyen Nikolo-Lenivets. Basert på første etasje fortsetter Polisskys strukturer å vokse overalt - i form av en improvisert bue foran inngangen, pergolaer på terrassen (såkalt 'utenfor bygningen') og til og med bena ved bordet i utviklerens hall er laget av de samme skjeve koffertene.
Det må innrømmes at Nikolai Polissky-designene skiller seg markant fra andre landskapsprosjekter på Biennalen, og ikke bare ved at de helt mangler paradis-temaet til en hagehage, og materialet er vilt, naturlig, knapt renset. De er mye nærmere naturen enn økologiske prosjekter, som faktisk i større grad tilhører teknologiens verden. Poliskskys "skog" er litt vill og skummel, men inne i paviljongen mangler den skala - det er ingen steder å snu. Men du må forstå at dette er en "eksport" skog, en nisse på tur. I Nikolo-Lenivets er Polisskys landskapsprosjekter både større og viktigere.
I år deltok russerne i alle hoveddelene av Biennalen. Totan Kuzembaev, som nylig vant andreplassen i konkurransen om en bro over den venetianske Canal Grande, ble invitert av Aaron Betsky til å delta i kuratorutstillingen til Arsenal og bygde den allerede nevnte jurten på gaten foran seg. Boris Bernasconi, som nylig delte førsteplassen i den internasjonale konkurransen om Perm Art Museum med Valerio Olgiati, ble invitert til å kuratere utstillingen i den italienske paviljongen - og brukte denne invitasjonen til å kjempe mot Norman Fosters Orange-prosjekt. Jeg må si at Aaron Betsky på hans pressekonferanse nevnte Bernasconis prosjekt hver for seg og hyllet det veldig i den forstand at den unge arkitekten våget å protestere mot Foster selv.
Etter å ha ankommet Venezia ble Maternity Hospital-utstillingen (kuratert av Yuri Avvakumov og Yuri Grigoryan) til et veldig vakkert prosjekt. Utstillingen ble vist for første gang i Moskva på VKHUTEMAS-galleriet, deretter i St. Petersburg. Jeg må si at på Biennalen viste utstillingen, som ble oppfunnet et år tidligere, å være veldig nyttig: den består av skulpturelle embryoer av arkitektur, tolkninger av temaet fødsel, produsert av arkitekter, blant dem er det mange russere, men mange utlendinger. Jeg vil til og med våge å foreslå at her kommer Betskys hovedide til uttrykk, om ikke mer presist, så mer kortfattet enn i Arsenal. Utstillingen ligger i den venetianske kirken San Stae og har transformert seg betydelig: alle utstillingene ble plassert i celler inne i veggene til et papphus med perforerte vegger. Denne bygningen blir sammenlignet med en kirke-relikvie og samtidig en julekrybbe. Utviklingen av utstillingen ser ut til å være veldig logisk. Videre ser det ut til at Venezia selv spilte en rolle her - en by der nesten hver vegg bærer et ikonhus med et skulpturelt ikon. Fra det byen ser ut til å være innviet som en helhet - en kvalitet som allerede har gått tapt av andre europeiske byer - og til og med det brutale "Maternity Hospital" her blir til en julefødselsscene. Venezia er en fantastisk by.
