Temaet til biennalen, kunngjort av kuratorene Yvon Farrel og Shelley McNamara, er som alltid vag, men ikke for vag. Med navnet - FreeSpace, eller Free Space, forresten, på den flerspråklige skjermspareren på Biennalen, blir disse ordene på russisk gitt store og er dårligere enn engelsk - det er åpenbart at vi snakker om offentlige rom, et emne som de siste årene har klart å danne et godt ringformet spor i alle involverte i hjernebarken. Så på pressekonferansen forklarte kuratorene at ja, selvfølgelig, offentlige rom, men ikke direkte de og ikke bare de, og oppfordret til å tenke på hvordan de eksisterende områdene lar deg føle deg fri, og husker følelsene i det frie rommet og indre frihet, klargjøre at det ikke bare er mellomrom mellom bygninger, men også forbindelsene og samspillet mellom dem. På en eller annen måte er det nødvendig å vise, i hvert fall rett utenfor øyekroken, prosjektene og bygningene til arkitektene som er invitert av kuratorene - i år er det 65 av dem i Arsenal, og jeg vil med en gang si at det ikke er noen Russere. Diller Scofidio + Renfro deltar, den andre til høyre for inngangen, men de viser ikke Zaryadye, men den 14-etasjers bygningen til Roy and Diana Vagelos Medical Education Center ved Columbia University i New York: “… the building oppfordrer teamlæring, hovedmottaket er den pedagogiske kaskaden, en sekvens av sammenkoblede rom, lette og mettede med luft. … I motsetning til konvensjonelle medisinske sentre, der hovedmålet er å optimalisere hver kvadratmeter, er det fleksibelt, tilpasningsdyktig og tar hensyn til opplevelser, - slik avslører prosjektet i seg selv temaet til biennalen. Glede ble hørt.
Men temaet for offentlige rom påvirket absolutt utstillingen. Ikke bare ble alle igjen oppfordret til ikke å tenke helt på bygningene, men på hva som er mellom dem - husk det mystiske Der ute av Aaron Betsky - så også plassen burde være ledig. Ikke overraskende tilbød nesten hver utstiller benker i en eller annen form, fra puter til steder hvor du til og med kan legge deg litt. Dette er en veldig god innovasjon: det er kjent at Biennalen handler om bein, utstillingen er enorm, og ikke hver ulv når slutten. Selv om det i år virker litt mindre, er de dystre kameraene til Giardino delle Vergini ikke opptatt med noe. Ellers, som alltid, konkurrerer installasjoner om originalitet og dyphet, og velger en sjanger mellom presentasjon av prosjekter og forskning, bygging av trapper til taket, hvorfra du kan se Arsenal-hallene ovenfra - det er spesielt mange av disse, hver år mer og mer - meditativ lys- og musikkshow, arkitektonisk plast, minimalisme til selvfornektelse og så videre.
Kuratorens kommentar er lakonisk og fordelt over to haller - ved inngangen, etter et gardin laget av tau, som minner om det opprinnelige formålet med Corderi: det ble laget tau i det, “det var et arbeidsrom, og nå et rom for kommunikasjon”. I første linje kaller kuratorene bygningen for en aktiv deltaker i utstillingen, beundrer dens lengde på 317 m og spesifiserer - linjalen de tegnet på gulvet sammenligner de gamle venetianske føttene, piedi og metriske enhetene. På taket over hele lengden av Corderie projiseres bokstaver med det samme emblemet til den nåværende biënnalen - de refererer til solskinnet fra vannet, som så ofte kan sees på taket her i byen. Alle utstillinger "representerer aspekter av forfatterens arbeid" og svarer på forskjellige deler av manifestet, presiserer Farel og McNamara. Poengene er: kultur, materialitet, mulighetsrom, bevegelse, tid, hukommelse og gaver fra naturen.
De første deltakerne fra inngangen presenterer nettopp sine prosjekter: Briten McLaughlin - i form av et roterende trebord i ånden av Leonardos modeller, med en stjernehimmel på bordplaten; på åpningsdagen spunnet han selv bordet, noe som er ganske vanskelig.
I nærheten viser Takahara Tezuka frem sin ovale barnehage Fuji: en animert projeksjonsmodell viser hvordan barn løper ikke bare rundt hagen, men også på taket, og besøkende er bekymret for at de ikke skulle falle.
Arkitekter viser sitt arbeid, men ofte prøver de å finne temaet for Biennalen og på jakt etter "ledig plass", og viser seg til eksempler fra historien - for eksempel Arrea Architecture fra Slovenia: "… vårt prosjekt handler om et torg og et torg tre". En av rutene er katedralen.
Et annet alternativ - Weiss / Manfredi, absolutt invitert som forfattere dyktige i bygging av parker og offentlige bygninger, viser 2/3 av verkene sine og omtrent en tredjedel av historiske analogier, Shah Abbas-broen i Isfahan og Sydney Opera, for å si det sånn, setter seg i sammenheng.
Gumujan Bureau, kalt britene på Biennalen, viser prosjekter for den transkaukasiske ruten, en analog av den norske turistveien: en serie romlige inngrep som strekker seg over 750 km. Broer, skur, brygger og andre inneslutninger i landskapet, designet for å bli bygget innen 10 år med involvering av frivillige. Ruten er ikke designet for "industriell turisme" - forklarer forfatterne, men den passer perfekt til temaet for utstillingen og generelt forbløffet over omfanget og delikatessen ved å jobbe med naturen. Fjell av bølgepapp med gyldne sprut av design er veldig attraktivt.
Utstillingen av det kinesiske byråets DNA er i sin betydning relatert til den armenske og viser også landskapsinneslutninger av høy kvalitet - amfiteatre og broer i Sonyan-kantonen, en del av prosjektet med å revitalisere regionen. Kalt "arkitektonisk akupunktur". Lokale materialer og bygningsteknologier brukes.
Spanjolene Flores & Prats viser i stor skala prosjektet deres om å transformere en forlatt bygning av et arbeiderkooperativ, bygget i Barcelona i 1924, til et teaterrom, bygge et fragment av det i full størrelse, og det viste seg at foran det er de beryktede benkene, på baksiden er det scener med detaljerte, i en rekke oppsett, en historie om prosjektet.
Blant installasjonene - mikro-offentlige rom, er den første kanskje overraskende kryssfinérinnkjøringsattraksjonen fra Alison Brooks. Hun kombinerte fire paviljonger, to med desorienterende speil, den ene med perspektivet på buene som går opp, som selvfølgelig kan observeres og fotograferes liggende på plattformen, det er det alle gjorde. Selvfølgelig var det et amfi. Arbeidet til byrået er i beskjedne små bøker på tau. Vi sitter på amfiet og ser på. Alle deler av installasjonen på en eller annen måte gir gjenklang med Brooks 'arkitektoniske løsninger.
Imidlertid er det mange trapper til taket, som allerede nevnt, i år.
Golden Lion
dro til Kenneth Frampton, mens i Corderie, kanskje Rafael Moneo, spiller rollen som "luminaries" med uttalelsen,
Og Mario Botta, som har samlet insekter og klassiske fasader i en kryssfinerboks. Og alt dette er arbeidet til flere grupper førsteårsstudenter. Temaet til den ene gruppen er en introduksjon til et arkitektonisk prosjekt, den andre er å se, se, observere, forestille seg. “Arkitektur studerer først romsligheten i menneskelivet og forvandler det og etablerer nye romlige forbindelser,” står det i beskrivelsen. “… Derfor må arkitekter først og fremst huske på ansvar, og når de påtar seg rollen som tolk for historien om samfunnets hukommelse, må de følge den faste troen på at de ikke oppfinner så mye som de omskriver den gamle" handlingen. av konstruksjon "på en moderne måte.
Alejandro Aravena skrev sine prinsipper raskt, på papir og på veggen.
Det var et sted for puter - i installasjonen av Benedetta Tagliabue kalt "Woven Architecture". "Fritt rom gir en følelse av tilhørighet og en viss form for lykke," kommenterer arkitekten.
… og for "renessansen" sepia - fra spanjolene De Blacam & Meagher; showet til prosjektet er stilisert som en narkoman.
Australienserne John Wardle arkitekter bygde et rør som ligner på kamera obscura, hvor draperiet ble fjernet, og kalte det på mystisk måte "Et annet sted".
Den lange metallkonstruksjonen med bølgetak representerer taket som ble bygget av nordmennene Jensen & Skodvin over Moya-kilden. Du kan gå inn.
Italienerne Laura Peretti arkitekter viser et prosjekt for fornyelse av Corviale, et kjent veldig langt modernistisk hus, enten urbane skrekk, eller et monument over opplevelsene fra etterkrigstidens arkitektur.
Og til slutt, på slutten av 317 meter, argumenterer Corderi seg imellom i gjennomsiktigheten og dematerialiseringen av Kazuyo Shojima / Ryue Nishizawa med en plastinstallasjon som levende ligner Junio Ishigamis fiskelinjer, som ble revet av en katt for 10 år siden, og Ricardo Bloomer med lerret av såpebobler styrt av sofistikert automatisering, som representerer "Ekstreme omstendigheter med ledig plass" og samtidig - eksperimentell pedagogisk praksis fra forfatteren. Kanskje, i betydningen dematerialisering, vinner sistnevnte, men overflod av såpebobler - overraskende nok - er nesten umulig å fotografere.
Det siste objektet til Corderi - "Spatial Experience", Valerio Olgiatis hypostyle, setter en stopper for tvisten.
