Sergey Estrin:
- Det er vanskelig å utarbeide noe klart kriterium for å vurdere nivået på grafisk arbeid. Hvis du starter fra det motsatte, fra det du ikke liker, så liker du det definitivt ikke når dyktige tegnere gjengir fotografier. Slik grafikk er slående bare ved at de overfører bilder med den høyeste nøyaktighet, bildene ser ut som levende. For meg er dette definitivt ikke et utvalgskriterium. Det er viktig for meg at når jeg ser på et verk, har jeg umiddelbart et ønske om å tenke over det. Slik at en hel rekke assosiative bilder, hentydninger, til og med følelser og følelser dukker opp. Jeg liker det når du begynner å følge linjen, hvordan forfatteren ledet den, og jeg tenker på hvorfor han gjorde det på denne måten og ikke ellers. Det er omtrent det samme med arkitektur - Jeg er fascinert av tvetydige bygninger, når du kan nyte forskjellige vinkler, forskjellige nye bilder og funn …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Jeg elsker grafikken hans veldig mye. Det er veldig annerledes. Bunin hadde for eksempel en periode da han malte flekker. Som barn hadde jeg bøker med illustrasjonene hans. Jeg husker hans fantastiske illustrasjoner for Pushkin. Jeg liker virkelig måten han jobbet med tekstene til Omar Khayyam på. Eller denne tegningen: av livets glede, ved understatement - dette er et interessant verk. Bunin trenger ikke å tegne hele figuren, hele volumet, dette er overflødig - selve linjen, slik den går, og formidler betydningen av bildet. Et eller annet sted ser det ut til at hånden skalv, linjen går i stykker - men dette er ikke fordi kunstneren er svak, men fordi det er nødvendig å formidle betydningen. Og nå ser du på denne linjen - intermitterende, nervøs, forskjellig i tykkelse - og den forteller alt som trengs. For meg er dette det høyeste nivået, helt fantastisk grafikk. Dessuten er jeg sikker på at Bunin malte dette uten noen forberedelser, modellen stilte knapt for ham. Jeg prøver bevisst å gjenta denne måten å tegne linjen på, jeg tegner fjell som dette … På denne måten - i halve linjer - prøver mange kunstnere å tegne, men ikke alle lykkes. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Jeg ble kjent med arbeidet hans ved instituttet. Noakovsky - russisk-polsk arkitekt og grafiker, levde på begynnelsen av 1800-tallet, før revolusjonen han underviste på Moskva School of Painting, Sculpture and Architecture, var medlem av Imperial Academy of Arts. Han var en flott akvarellist, malte arkitektoniske monumenter. Studentene elsket ham. Et fotografi har overlevd der han tegner med kritt på en skifer under et foredrag og forklarer arkitektoniske stiler. Jeg forestiller meg levende hvordan han først viser hva som skiller, si Rococo-stilen - proporsjoner, elementer, kombinasjoner, forholdet mellom skalaene til vegger og innredning. Og han gjør det hele raskt, med noen få slag, men på en slik måte at essensen blir fanget. Det vil si på et veldig kunstnerisk og profesjonelt nivå. Jeg kan forestille meg hvor opprørt det var for studentene da han vasket en ting og begynte å tegne en annen, kanskje ikke mindre strålende …
Det samme er i disse akvarellene: det viktigste formidles her. Noakovsky trengte ikke å tegne alle detaljer, enhver lettelse, som om han kopierte et fotografi. I stedet konsentrerer han seg om essensen: den formidler rom, kraft, rytme, proporsjoner, inntrykk fra dem. Dette ligner veldig på hvordan minnet vårt fungerer generelt - små ting slettes, og etterlater et felles bilde som imponerte oss. Det samme er Noakovsky - han tar tak i hele bildet. En veldig arkitektonisk, veldig korrekt, som det virker for meg, tilnærming til tegning. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
For å være ærlig berører ikke alt i Piranesis arbeid meg. Gamle monumenter, utsikt over Roma, dets arkitektoniske landskap får meg ikke til å føle meg sterk. Det er veldig godt utført, gjennomtenkt, verifisert, men gjør deg ikke bekymret. Og en helt annen ting er hans fantasier om temaet fengsler, hans "Dungeons" - en serie på 16 ark. Arkitektoniske dårskap, helt umulig i virkeligheten, der han ikke lenger begrenset seg til noe. I disse arkene bygde han en transcendental verden, kompleks, fascinerende, mystisk, spennende. Jeg kjøpte en gang en hel bok for noen reproduksjoner av Piranesis fangehull. Disse verkene er veldig personlige, emosjonelle og, viktigst av alt, veldig moderne, selv om de først ble utgitt på midten av 1700-tallet. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Far til Alexander Brodsky. Utdannet fra Moskva arkitektoniske institutt. Og i sin bokgrafikk føles det faktisk en arkitekt. Det er en kontrast, proporsjoner, en slags alvorlighetsgrad, selvfølgelig, en følelse av linje og form - alt dette sammen gir et sterkt inntrykk. Han vet hvordan han dyktig kan piske opp emnet - se på disse ropende hodene, det er så mange av dem at det ser ut til at du allerede kan høre, fysisk føle latteren deres. Figurene til Don Quijote og Sancho i midten av dette sjøen av hoder er tegnet som om de var laget av en billedhugger. Veldig god grafikk. For sine illustrasjoner til Don Quijote mottok Savva Brodsky en gullmedalje på Moskvas bokmesse, og ble valgt til tilsvarende akademiker av det spanske kongelige kunstakademiet.
Og arkene hans for Romeo og Juliet er også fantastiske og veldig arkitektoniske. Dette bevises av det faktum at dette er en serie - det vil si forfatteren setter rytmen og fungerer derfor som arkitekt. Det er akser, et perspektiv som strekker seg ut til uendelig, og skulpturelle figurer som setter skalaen til denne søylegangen og skipet. Veldig fint. Brodsky vet hvordan man skal formidle synspunktet til en person som ser på giganter. Som arkitekt forstår jeg absolutt alt her, kanskje det er derfor jeg liker det. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Den østerrikske kunstneren, en student av Klimt, etter hans død var faktisk kunstner nummer én i Østerrike, men døde i en alder av 28 av en spansk kvinne. Han har mange malerier og flere tusen tegninger. Hans arbeid er veldig interessant. Fantastisk talent. Både gjenkjennelig og mangfoldig. Hvis han hadde levd et langt liv, ville han kanskje blitt billedhugger, fordi tingene hans er veldig skulpturelle, og kanskje til og med en arkitekt … Han ser veldig riktig, fjerner unødvendige ting og legger til noen uvanlig skarpe følelser. Han har en utrolig flott linje, som en bar nerve. Maleriet hans er uatskillelig fra grafikken. Selv de tingene som er malt er helt grafiske.
Portrettene hans er på ingen måte en karikatur, ikke en karikatur, der de også prøver å fange det viktigste. Han endrer også proporsjonene litt, strekker dem. Schiele har en fantastisk skole, han vet absolutt både proporsjoner og anatomi, men han vet hvordan å skjerpe dem og formidle dem på en slik måte at hver linje begynner å ringe med en strukket nerve, du kan nesten høre det.
Og hans arkitektoniske tegninger, som blir mye sjeldnere publisert enn portretter, er ganske enkelt praktfulle i noe av sin enkelhet. Og her ser han også det viktigste. Det ser ut til at de vanligste husene, ingen ville tenke å fange dem. Men noen få aksenter - og fra dem vil du kjenne igjen tidlig på 1900-tallet, modernitetens stemning, selv om det ikke er en eneste linje fra moderniteten, fra art nouveau her. ***
