En arkitekt og kunstner trenger ikke en spesiell introduksjon, selv ikke for den europeiske offentligheten. Han er en av de mest berømte russiske arkitektene i utlandet. I 2006 representerte verkene Russland på Venezia-biennalen, og nå oppbevares de i samlingene til en rekke av de viktigste museene i verden: Det tyske arkitektoniske museum (Frankfurt), MOMA Museum of Contemporary Art (New York)), A-en. A. V. Shchusev. I Europa er Brodsky først og fremst kjent for sine "papir" -prosjekter: mange konsepter laget sammen med Ilya Utkin for japanske arkitektkonkurranser. Brodskys "solo" -verk - installasjoner på grensen mellom arkitektur og samtidskunst, samt en rekke realiserte gjenstander i små former - interiør, restauranter, konseptuelle paviljonger, er også kjent i Vesten.
Verkene som er valgt for utstillingen, dekker de siste tretti årene og gir en ide om de forskjellige teknikkene som arkitekten jobber med. I hallen til museets første utstillingsgulv - verkene til Brodsky i mer tradisjonelle. Dette er en blyanttegning, etsning, silketrykk. En etasje over - nye arbeider laget spesielt for denne utstillingen: "grafikk" av leire og blekktegninger på takpapp.
Til tross for mangfoldet av teknikker, ser hele utstillingen ut som en enkelt uttalelse designet for å gjøre besøkende kjent med hovedtemaene og motivene til arkitektens arbeid. I sentrum av Brodskys poetikk er konvensjonelle, fantasmagoriske verdener, presentert, hvis vi snakker med en viss grad av konvensjon, i stil med klassisk arkitektonisk presentasjon: fasade, seksjon, perspektiv, generelt syn. Kunstneren fokuserer på komposisjoner utenfor tiden, mer presist - etter tid, spor etterlatt av mennesker og historie.
I kammersalene, eller, som personalet på museet selv foretrekker å kalle dem, er "kontorene" i underetasjen verk fra 1980-tallet - begynnelsen av 2000-tallet. Her er Brodsky etterfølgeren til pyranesianismen med sin monumentalitet og fantasmagorisitet, men hans blikk er alltid blikket til en postmodernist med karakteristisk ironi, lagdeling av betydninger og åpenhet for forskjellige tolkninger. Et av temaene er enhet av kaos og klassisk skjønnhet, postmoderne entropi og renessansebilder. Dets uttrykk er både i kaotiske fraktalperspektiver med introduksjonen av arkitektoniske primære elementer - pyramider, og i utseendet til en svingende pendel under en fraktal klassisk komposisjon, og industrielt kaos innskrevet i kuppelrommet i lengdesnitt, installert på fundament ved siden av et industrielt rør. Renessansestetikk og motivet til det venetianske karnevalet kan høres i de allegoriske portrettene av en viss konvensjonell karakter. Brodsky kaller ham en arkitekt på en av dem, som om han gir et hint til publikum. Resten av de allegoriske portrettene minner både om heltene fra middelalderens mysterier og om den "karnevaliserte" atmosfæren til komedien Del Arte, og er blant annet en omskrivning av de berømte allegoriene om de primære elementene i Giuseppe Arcimboldo, som surrealistene betraktet som en av sine forgjengere. I stedet for naturlige primære elementer, har Brodsky arkitektoniske elementer (en ideell by som holdes av en arkitekt, Babels tårn reist på hodene til tegn), og estetikken til surrealismen er en av nøklene til fordypning i hans verdener.
Brodskys industrielle landskap er gjennomsyret av samme estetikk. Disse verkene er en fordypning i underbevissthetens introspektive verden, der logiske forbindelser blir avskåret (eller, mer presist, de virker avskåret), og verden som en person blir fjernet fra, blir helten. Det samme konstante temaet som Brodsky jobber med: en mann var her og satte spor.
De fleste av utstillingene ble stående "Untitled". Dermed er betrakteren fratatt tekstmeldinger, som er så akseptert i moderne kunst. Selvfølgelig er Brodskys ideelle seer en lærd kunnskapsrik person innen historie og visuell kunst, som er i stand til å telle lag av gitt betydning, fange kunstnerens postmoderne ironi, mens en mindre sofistikert betrakter kan oppleve en liten følelse av ubehag, kastet ut i verden utenfor vanlige årsakssammenhenger. To typer seere - to typer lesing, og tolkningene av den ikke-ideelle seeren kan være mye mer emosjonelle og føre til en friere strøm av assosiasjoner.
Et av verkene nærmest bokillustrasjon på utstillingen, "A Place of Common Prosperity" (1998), er både en direkte hilsen til bildene av Piranesi Pantheon, gått gjennom forfatterens metaforiske underbevissthet, og en hentydning til det høytidelig sublime. betegnelser på urbane infrastrukturobjekter som ble vedtatt i Sovjetunionen i 1960 -x: bibliotek - "Temple of Knowledge", og for eksempel kino - "Temple of Spectacles". Her bruker Brodsky teknikken "realisert metafor". Foran oss er det faktisk tempelet, og prototypen til alle templene, men den betingede kofferten på tegningen gir ut en betinget sovjetisk statsborger, representert i forkledning av en mytisk skapning med hundens hale, som gikk inn i "Temple of General Welfare" "å drikke et glass øl.
I samme rom presenteres også blyantskisser av betingede arkitektoniske fasader og en rekke gjenstander. Surrealismens estetikk blir også lett gjettet i dem, og en av de mest mystiske gjenstandene som er avbildet, er kanskje en slags omskrivning av det mest siterte arbeidet til Rene Magritte.
Utstillingen er organisert på en slik måte at blyantskisser viser seg å være skisser for Brodskys kunstgjenstander, presentert i etasjen over. Dette er verk fra 2014, hvorav de fleste ble laget spesielt for utstillingen på Tchoban Museum. Fasadene laget i den unike forfatterens teknikk med "leirgrafikk" refererer både til monumentalismen til den stalinistiske imperiestilen og til det kafkaeske slottet, uoppnåelig innenfor rammen av menneskelig logikk. Her er fortsettelsen av Brodskys hovedtema - spor etterlatt av tiden. Nøkkelen til tolkningen av disse verkene, og faktisk nøkkelen til utstillingen som helhet, er to gjenstander laget med svart blekk på en takpapp som ligner et kart og aksonometrisk modell av et betinget arkeologisk sted. Leirfasadene prikket med sprekker er altså ikke noe annet enn fortidens leirgjenstander. Det var ikke uten ironi i postmodernismens ånd: å bygge takpapp er et populært materiale i sovjetisk dachakonstruksjon.
I denne forbindelse er det interessant å huske de implementerte prosjektene til Brodsky arkitekten. De er ikke representert på utstillingen, men de er alle på samme måte underordnet ideen om å konsentrere seg om sporene etter sine forgjengere. Det være seg paviljongen for vodka-seremonier, bygget for Art-Klyazma-festivalen, Rotunda i Nikola-Lenivets eller restauranten Prichal 95 * i nærheten av Moskva, og alle ble bygget med design av andre gjenstander som en gang eksisterte: vinduskarmer, dører, brett.
Det er bemerkelsesverdig at utstillingen til Alexander Brodsky i Berlin falt sammen med en annen utstilling av arkitekttegning på Martin-Groppius-Bau Museum: "VKHUTEMAS - det russiske laboratoriet for modernitet" (gyldig til 6. april), og presenterer utopiske tegninger av studenter fra VKHUTEMAS fra 1920-tallet. Sovjetiske utopiske prosjekter fra 1920-tallet og papirdesign fra 1980-tallet er de to viktigste fenomenene i papirdesign fra det 20. århundre som kommer fra Russland. Under forholdene til den raskt voksende økonomiske krisen og monopolet på store arkitektoniske verksteder om utforming av nesten alle de viktigste gjenstandene, er en ny runde med "på bordet" design uunngåelig. Kanskje arkitekttegningene og konseptuelle prosjektene i andre halvdel av 2010-tallet en dag kan bli grunnlaget for fremtidige museumsutstillinger.
Utstillingen er åpen til 5. juni 2015.
