I løpet av den tusen år lange historien om museearbeid på Apennine-halvøya har ikke bare kolossale mengder materiale akkumulert, men også en bestemt kultur for presentasjonen har blitt dannet. Dessuten blir den umiddelbare kunstneriske verdien av utstillingen et tvetydig konsept, noen ganger viktigere er ideen som forener den og den resulterende kompleksiteten i utstillingen. For eksempel slo utstillingen for seks måneder siden av den store venetianske kunstneren fra renessansen Giovanni Bellini først og fremst med de nylig kombinerte alterdørene, vanligvis lagret i forskjellige museer tusenvis av kilometer fra hverandre, eller med brett fra private samlinger. hentet fra det amerikanske innlandet. Utstillingen "Giotto og Trecento" samlet et enormt antall italienske mestere fra Milano til Napoli og deres franske samtidige av forskjellige kvaliteter, på en eller annen måte påvirket eller påvirket den toskanske innovatøren.
Siena-utstillingen samlet under en felles tittel, lånt fra romantikken, ikke bare utstillinger fra forskjellige land, verk av forskjellige epoker, materiale av forskjellige egenskaper - men også kunstnere av varierende grad av mental tilregnelighet, hvorav noen generelt er indirekte relatert til kunst. Her er selvfølgelig serveringen viktigere, og i større grad - den som tjener: kurator Vittorio Sgarbi. En politiker og kunsthistoriker, kjent for bruk av politiske metoder i kunstkritikk - erstatning av konsepter og provokasjoner. En aktiv deltaker i studentprotester i 1968, kandidat til ordfører i Pesaro fra kommunistpartiet i 1990, grunnlegger av Liberal Sgarbi-bevegelsen i 1999, deretter en alliert av Silvio Berlusconi, takket være at han ble sekretær for Kulturdepartementet i 2001. Parallelt skriver han bøker om mestere og verk i alle epoker og produserer videoer om kunsthistorien. En italiensk spesifikk kombinasjon.
Tross alt er et museum her ikke bare et utstillingsområde, og en utstilling er ikke bare en kulturell begivenhet. Dette er et uttrykk for tidsånden: fra lidenskapen for å samle blant aristokratiske familier og den direkte proporsjonale avhengigheten av samlingenes rikdom til eierens innflytelse - til futurismen, som foreslo at museer ble ødelagt, og samtidig tid gjenoppbygget samfunn (futuristene er nesten det eneste kunstneriske og politiske partiet i historien: Marinetti var venn med Mussolini og var stolt over at noen av fascismens politiske ideer ble fremmet av ham). En museumsbegivenhet er alltid et skuespill, med teatralitet iboende i alt italiensk liv: sjokkerende, vitenskap, politikk, intriger er tett sammenvevd i den. Det er både overfladisk og dypt, snakker om det øyeblikkelige og det evige, morsomme og får deg til å gråte. Og han krever alltid scenografi - arkitektur.
Utstillingen "Art, Genius, Madness" presenterte i 10 temasaler den forvirrende og kontroversielle siden av kunstnerisk skapelse. Utstillingen er konseptuell (det er fortsatt umulig å kalle det tematisk, siden emnet tolkes veldig bredt og ikke alltid bokstavelig), materialet er spesifikt og heterogent (fra verkene til Van Gogh til verkene til pasientene i Siena mental sykehus), kommer spesialistene som er involvert fra veldig forskjellige profesjonelle sfærer (kunstnere, kunsthistorikere, psykiatere). Salene til Palazzo Squarchalupi viste seg å være fylt med brett av alterkomposisjoner fra 1400-tallet i stil med Bosch, små sjangerkomposisjoner som skildrer behandlingen av galskap på 1600-tallet, lerret og grafiske ark av Van Gogh, Munch, Kirchner, Otto Dix og Max Ernst, arbeider av samtidskunstnere under tilsyn av leger, en profil som tilsvarer ideen til utstillingen, samt klær fra pasienter og medisinsk utstyr fra psykiatriske sykehus de siste århundrene. Under slike forhold spiller design en av hovedrollene, om ikke den første, nemlig det klargjør konseptet, skjerper aksenter, forener materialer av forskjellige tider og ulik kvalitet, som dukket opp under samme tak og i de samme veggene på forespørsel. av "forfatteren" av utstillingen.
10 emner foreslått av kuratoren - 10 forskjellige tolkninger og tilnærminger til tolkningen av fenomenet galskap - distribueres i de respektive rommene. Et mangesidig syn krevde et annet materiale, noen ganger vanskelig å være enig. Organiseringen av utstillingen redder problemet fra vulgarisering, der heterogene objekter blir riktig systematisert og dekorert, og utstillingsrommene ble tolket i samsvar med temaene som burde vært presentert i dem.
Seeren blir gradvis "introdusert i emnet": bak hallen med den italienske skulpturen fra det 20. århundre, som fungerer som en slags innledning, følger den historiske delen av utstillingen, som ligger i en lang korridor og består av kunstverk. fra begynnelsen av det 16. til det 18. århundre, som representerer bilder av galne i denne tiden og historien. studerer emnet, samt - fra anatomiske modeller av hjernen og vintage tvangstrøyer. Sistnevnte, plassert i en “kunstnerisk” sammenheng og elegant integrert i utstillingen, uten å miste sin “kognitive” karakter, ser samtidig ut som en slags kunstgjenstander.
Videre er en retrospektiv studie av fenomenet, ledsaget av pasienters arbeid på sykehus med denne profilen, som viser sykehusets hverdag (Cesare Lombroso, Paris Morgiani), knyttet til "hovedutstillingen" delt inn i etasjer ved en trapp, kl. foten av den er godt brukt som utstillingsstand for lettelsen til den marginale Sienesiske mesteren Filippo Dobrilla, vår samtid. Den historiske delen ender med en sal med portretter fra 1700-tallsskulptøren Franz Messerschmidt, som i de siste årene av sitt liv ble skadet i fornuft, men beholdt den geniale evnen til å reprodusere menneskekroppen.
Deretter er utstillingen delt inn i saler som representerer ulike aspekter av forholdet mellom kunst og galskap. Van Gogh, Kirchner, Strindberg og Munch er forent som kunstnere som jobbet i tiden til Nietzsche (hvis holdning til emnet er veldig direkte), så vel som konstante forskningshelter om temaet som er angitt i tittelen på utstillingen. Hall "General Madness: War through the Eyes of Artists" - på den ene siden, presenterer en annen versjon av galskap, på den andre - et viktig problem i kunsthistorien fra det tjuende århundre. Her er kunstnerne som krigen har blitt ledemotivet for kreativitet, temaet som herliggjorde disse mestrene: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Rommene der verkene til galningene selv er plassert inneholder verk fra samlingen til psykiateren Hans Prinzhorn fra Heidelberg, Art Brut Museum i Lausanne, samt fruktene av kreativiteten til pasienter fra italienske sinnssyke asyl, systematisert i henhold til en monografisk prinsipp. Verk av Antonio Ligabue, en slags primitiver som minner om Henri Rousseau, grafiske komposisjoner av Carlo Dzinelli, fantastiske i komposisjon og fargestruktur - dette er noen eksempler på den såkalte. kunst utenforstående, for lenge siden blitt en samleobjekt. Det siste temaet er kunsthallen som arbeider i en stil som grenser til galskap, kalt "The Clear Madness of the 20th Century": det er surrealistiske verk og en redegjørelse for wiensk actionisme, som generelt har absorbert elementene i alle ovennevnte. Hall 10 er en slags kvintessens av alt sett - ikke på nivå med kunstnerisk kvalitet, men på ideenivå. I alle fall er galningenes arbeid mer harmonisk enn de blodige kroppene til medlemmene i den wienergruppen. Og på dette stadiet forstår seeren, som har sett mer enn 400 utstillinger om temaet psykiske lidelser, at utstillingen ikke gir svar på hvor er geni og hvor er galskap, og prøver ikke å gi, men i tillegg hever det nye spørsmål om kriteriet "normalitet" og om det relativitet generelt.
Et forsøk, kanskje, ikke for å løse problemet, men for å bringe alt inn i et enkelt system, tar utformingen av utstillingen på seg. I utstillingens arkitektur gjenspeiles den “dokumenterte” normaliteten eller museumsgjenkjenningen av kunstneren i karakteren til salens interiør. Salene med Van Gogh, Otto Dix og Actionistene har et klassisk display: malerier blir hengt på veggene og belyst med riktig museumslampe. Salene med verkene til de "gale" viste seg å være et felt for aktiviteten til arkitektonisk og eksposisjonell fantasi: verkene er hengt opp på en fiskelinje langs en ødelagt guide eller innebygd i metallrammer og plassert midt i hallen i forskjellige vinkler til hverandre. Slik blir deres spesifikke karakter bevart og vektlagt. Utstillingenes originalitet er i samsvar med detaljene til verkene og fungerer som den fine linjen som ikke bare likevel skiller stor kunst fra kreativiteten til de marginaliserte, men også gir sistnevnte en "utstilling", til en viss grad "museum". karakter.
Arbeidet til arkitektene til Studio Milani spiller en nesten ledende rolle i oppfatningen av utstillingsmaterialet. Det er vanskelig å snakke her om en direkte "utførelse av kuratorens ideer", siden stilen til dette byrået er tydelig synlig i arkitekturen til utstillingsinteriøret. Men dette er i full forstand av arkitekturen, i samsvar med konseptet med kunden, i dens former som tilsvarer funksjonen, forteller om innholdet, dirigerer den besøkendes bevegelse og tolker dermed ideen om strukturen (dvs. utstillingsområdet). Lette strukturer, materialer - metall, plast, glass, lakoniske former refererer til stilen til de italienske utstillingene på 1930-tallet, som ble designet av arkitekter - tilhengere av den italienske versjonen av den moderne bevegelsen - rasjonalisme, med sitt minimalistiske design og eksepsjonelle talent å formidle utstillingskonseptet på små måter. Her erstattes imidlertid den rektangulære modulen som hersket på 1930-tallet med en trekant (dynamisk form), fiolett lys (galskapens farge) tilsettes de nøytrale fargene på utstillingsvinduene, og noen deler av stativene er reflekterende overflater. Resultatet er et dynamisk rom med en ødelagt bane av bevegelse, som multipliserer i refleksjoner av seg selv, og svarer ikke bare på utstillingens tema, men dessuten til ånden til modernitet generelt.
Så tynn som linjen mellom geni og gal, mellom gal og kunstner, mellom produktet av en syk bevissthet og kunst, kan det vise seg å være veldig betinget mellom den besøkende på utstillingen og forfatterne av verkene som presenteres på den, mellom den virkelige verden og verdenen med oppfunnte ideer og fantastiske bilder. Metallgitterene som brukes i designet, bærer på den ene siden estetikken til moderne arkitektur av lysstrukturer, på den andre ligner de gitterene fra psykiatriske sykehus. De ødelagte banene til utstillingens ruter er ikke bare linjene i dekonstruktivismens rom, men også en metafor for den ødelagte psyken. Nøytralt lys kombinert med fiolett belysning - ikke bare belysning av minimalistisk interiør, men også sykehuskorridorer. Designet, som forenet verk av forskjellig innhold og natur, som om de sammenligner forfatterne med betrakteren: i utstillingsvinduene, blant utstillingene, ser den besøkende med jevne mellomrom sin refleksjon. I tillegg er ruten gjennom de fire etasjene i utstillingen, omgjort til en labyrint av arkitektenes innsats, lang nok til ikke bare å bli vant til museets rom, men også til å nærme seg "heltene" i utstillingen i vår følelsesmessig tilstand.
Dette er betrakterens involvering i den vanvittige kunsten og den vanvittige verdenen til sinnssyke - enten en filosofisk ide om kunstkuratorer, eller et eksperiment av psykiatere, eller et tidsspor. En ekte, implementert ideerarkitektur skaper ikke, den legemliggjør dem, den vises til rett tid på rett sted. Og poenget er ikke bare at statlige psykiatriske sykehus i Italia siden 1978 har blitt stengt, det vil si at galskap betraktes som en "annen type", men ikke en sykdom, og ikke at en liten, raffinert, ekstremt konservativ i grunnlaget Siena åpnet sine egne dører for en utstilling, hvor en betydelig del av utstillingene knapt kan kalles kunstverk i vanlig forstand. Denne utstillingen får deg til å se ikke bare på kunstens verden og se i den en del av galskap, men også på de sinnssyke - og se elementene i hverdagen i den, og dermed føle subtiliteten til linjen som skiller disse verdenene. Det er også en grunn til løsrivelse, løsrivelse, som tjener kunst, som er en integrert del av mentale avvik og som hjelper til å se ting i et nytt lys. Og for dette er den lukkede, som ligger på en høyde, atskilt fra resten av verden av de toskanske slettene i Siena, den best egnede.
Når du undersøker den siste salen, vokser følelsesmessig stress til det ytterste og får deg til å ønske deg ut i den friske luften - og utstillingen tar den besøkende inn i et lyst, glassert rom med utsikt over middelalderens Siena-vegger. Bare bokstavene i utstillingsnavnet festet til veggen minner om det han så, noe som fremkaller lysrefleksjon over det som mangler i utstillingen: sider fra "Diary of a Madman" eller "Nightmare" av Fuesli … Men den toskanske solen og steinen og marmoren til Siena-palasset som er opplyst av den tvert imot, de antyder "klarheten til det italienske geniet" så verdsatt av Welflin.
Utstilling Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista finner sted i Santa Maria dela Scala museumskompleks, Palazzo Squarchalupi TIL 21. JUNI 2009.
Kuratert av Vittorio Sgarbi
Akademisk retning: Antonio Mazzotta Foundation
Arkitektonisk design: Studio d'Architettura Andrea Milani
Utstillingen samler mer enn 400 verk fra de ledende kunstmuseene i Europa (Orsay, Centre for Georges Pompidou, Prado, Brera, etc.), temasamlinger (Museum Art Brut, Lausanne, Collection of psychiater Prinzhorn, Heidelberg) og museer av medisinens historie (Museum of the history of medicine University of Rome "La Sapienza", Museum of the History of Medicine oppkalt etter Rene Descartes, Paris, etc.).
Tematiske rom: Bilde av galskap (fra verk tilskrevet Bosch til i dag), geni og galskap i tiden til Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), General Madness: War through the Eyes of Artists (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), The Art of the Mad: Dedication to Hans Prinzhorn (verk fra samlingen til psykiateren Hans Prinzhorn i Heidelberg), Art Brut (verk fra Art Brut Collection av Jean Bubuffet, Lausanne), Noen italienske eksempler mellom normalitet og galskap (verk av Carlo Zinelli, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Reise til Toscana (toskanske villaer og slott hvor psykiatriske sykehus var lokalisert, er kjent for sine talentfulle pasienter: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges, osv. Den rene galskapen fra kunsten fra det 20. århundre (fra surrealistisk arbeid til Wien-actionisme).
