Denne utstillingen er organisert av firmaet Solo Mosaico og er ment å bli den første begivenheten i livet til et nytt kunstgalleri, arrangert av dette selskapet i det lengste (men veldig koselige) hjørnet av Art Play-senteret på Yauza. Solo Mosaico er engasjert i produksjon av mosaikkpaneler fra smalt, og i fremtiden vil galleriet være vert for hovedsakelig utstillinger av kunstnere-dekoratører som arbeider med smalt. Og denne utstillingen er den første, sjokk, og for det kalte de kuratoren Yuri Avvakumov, som inviterte 8 flere arkitekter og foreslo til hver av dem å lage et prosjekt av det "relikvie" objektet. De malte og mosaikkartistene ble implementert, og resultatet er en veldig imponerende utstilling.
Men først og fremst må jeg si at denne utstillingen passer inn i en rekke lignende kuratoriske prosjekter som oppstår en eller to ganger i året og samler kunstgjenstander til arkitekter fra en ganske smal sirkel - slike arkitekter som også er veldig finstemte kunstnere. Kritikere har gjentatte ganger snakket om gjenstandene til disse arkitektene som de morsomste utstillingene av samtidskunstutstillinger. Det er umulig å kalle dem en gruppe, utstillingskurator inviterer deltakerne hver gang, og komposisjonen varierer litt, men noen, ganske åpenbare konstanter av "kjernen" er ganske åpenbare, og man vil allerede snakke om hvem som ikke er i komposisjonen denne gangen og hvem som er. Men vi vil ikke snakke om det, det vet du aldri.
Og fra lignende utstillinger kan man spesielt huske: "Persimfans" i Museum of Architecture og "Maternity Hospital", som åpnet VKHUTEMAS-galleriet i bygningen til Moskvas arkitektoniske institutt, akkurat som nå "Reliquary" åpner et galleri av mosaikere i Artplay. Og kuratoren der var den samme - Yuri Avvakumov. Deretter viste Yuri Avvakumov gjenstandene til barselhospitalet i Venezia, etter å ha bygget for dem (i medforfatterskap med Yuri Grigoryan) et stort hus som glødet fra innsiden gjennom mange runde hull, veldig lik en gotisk relikvie. Ærlig talt, etter å ha lært temaet for den nåværende utstillingen, forventet jeg noe lignende - men nei, Avvakumov snudde emnet helt annerledes. Alt dette ser ut som en veldig konsistent utvikling av temaet - jeg må si at en slik grundighet er karakteristisk for Avvakumov både som kurator og som kunstner: hvis han tar på seg et emne, søker han å uttømme det helt.
I dette tilfellet er temaet nesten uendelig, og det rimer med det eldgamle og vakre, for vår bevissthet hovedsakelig bysantinsk materiale - mosaikker. Mosaikken tilførte både vekt og glamour til gjenstandene (det er vanskelig å ikke legge merke til det, og vi har allerede skrevet om dette). Sammenlignet med tidligere lignende utstillinger, hvor alt stort sett var laget av papp og tre, fra skrapmaterialer, er alt her veldig seriøst og grundig, og det er ikke klart om dette er bra eller dårlig. På den ene siden etterlater varmen fra den tidligere gratis kartong uunngåelig, og på den andre siden skal arkitekten underkaste alt materiale, og spesielt dyrt, og for galleriet er disse arkitektene et absolutt funn, fordi mosaikken her var avslørt fra helt uventede sider: monokromatisk palett med fokus på teksturen til Sergei Tchoban; enkelt som striper av rød maling ved Blue Noses; tornet antrasitt på Art-Bla; perler elsket av kvinner på "Icing of Architects". Utstillingen avslører materialets muligheter i sin helhet.
Men materialet er materielt, og temaet er mer interessant, og det har, la oss si, to sider: for det første hvilken prototype av relikviet arkitektene velger, og for det andre hvorfor de har det, hva gjemmer de nøyaktig i det. Svarene på disse to spørsmålene bestemmer egenskapene til objektene som vises, og det må sies at disse svarene ikke er mindre forskjellige enn de demonstrerte egenskapene til materialet.
Slava Mizin fra "Blue Noses" vendte seg til "relikvien til den russiske avantgarde - Malevich." Etter hans mening ville Malevich, når han så glamoriseringen av arv og tilhenger av avantgarde, snu i graven sin, så Mizin skildret hvordan den suprematistiske kisten som ble laget for Malevich av Suetin, reiste seg opp, reist av røde hammer-segler og hadde til hensikt å fly bort fra museets tjenestemenn og kulturarbeidere som leverte "ruffles". Det er fortsatt uklart: om mosaikkens sigd er de veldig glamorøse små tingene som stakkars Malevich løper vekk fra, eller om den revolusjonerende ideen fremdeles er i konflikt med den vakre utformingen av objektet.
Kuratoren for utstillingen, Yuri Avvakumov, i samarbeid med Alena Kirtsova, designet det største (nesten til taket) utstillingsobjektet, og ikke engang bare et objekt, men et prosjekt av et monument over Joseph Brodsky på Vasilyevsky Island. Det er en stor steinurn i vakker antikk form, konisk fra topp til bunn. Utenfor er den foret med plater av Pudog-stein, og innvendig er den foret med runde hyller med etterligning av bokstokker. På utstillingen er bøkene i smalt laget av smalt, og urnen er utstyrt med en ekstra yttervegg, som ligner på det andre stativet, som om alle bøkene ikke passet innvendig og eieren måtte kjøpe flere hyller.
Ideen er vakker, og som ofte er tilfellet med Avvakumovs gjenstander, smart: i objektet kan du finne flere betydninger og assosiasjoner. For det første rimer selvfølgelig både den antikke urnen og det halvkjente ordet cenotaph godt med Brodskys tekster, der det er stor interesse for romersk og antikk. Mange bøker - hvis du tar det som et tegn, rimer du også med Brodskys erudisjon. Alt sammen danner bildet av bokmannens tilflukt.
Ytterligere motsetninger. Cenotaph er en falsk grav, en tom boks, plassert der kroppen til den avdøde ikke er. I den ortodokse tradisjonen er den plassert over begravelsen til en æret avdøde, hvis levninger er begravet "under dekselet" (som regel, med sjeldne unntak, mottar senotafer personer som ennå ikke er blitt kanonisert, og utvinning av relikvier er etterfulgt av kanonisering og plassering av relikvier i en helligdom - faktisk en relikvie, eller, enklere, malt kiste). I denne forstand er Avvakumovs cenotaph en under-relikvie, siden relikvien er fundamentalt fraværende i den. Eller en viss ånd av Joseph Brodsky bør betraktes som en relikvie - som etter min mening i dette tilfellet er nær sannheten.
Imidlertid refererer senotafen til Avvakumov / Kirtsova på ingen måte til den sentral-russiske tradisjonen, men tvert imot, på alle mulige måter tar han avstand fra den. Først og fremst ser vi ikke en gravkasse, men en kanne uten håndtak, det vil si en urne. Urner ser aldri ut til å ha tjent som senotafer; enten en cenotaph - en tom kiste, eller en urn, her må du velge. Urnens form strider mot navnet cenotaph, men her kan man også anta at denne motsetningen er forsettlig.
Fordi den første assosiasjonen som kommer til hjernen når vi ser på denne megakannen med miniatyrvinduer for å kikke inn i lyen til Brodsky's ånd, er kannen der Diogenes bodde (han bodde i pithos - en stor kanne, og ikke i et fat, som vi er vant til å snakke dagligdags). Formen valgt av Avvakumov / Kirtsova ligner veldig på de antikke pithosene, kannene til korn, vin eller olje, hvis form ble kraftig smalere nedover, slik at de ble gravlagt i bakken for å kjøle ned produktet.
Brodskys ånd viser seg da å være en moderne Diogenes, en eremitt som lever blant bøker i en mugge. Dette er generelt en sann forening, siden Joseph Brodsky levde for dette landet, for den Vasilievsky-øya hvor han kom til å dø - et eksil, en fremmed person. Så hans postume ånd må plasseres i noe som en Diogenes-kanne. Og strengt tatt eksisterer enhver intellektuell i dette landet, ikke engang utvist og ikke igjen, men til og med ganske enkelt låst i sin lille leilighet fylt med bøker rundt omkretsen, i nøyaktig samme kanne. Med det eneste unntaket at Avvakumov, i prosjektet til monumentet, foreslår å feste en vindeltrapp til kannen, slik at nysgjerrige kan se inn i skriverens hus (på utstillingen var det mulig å se gjennom speilet i taket). Imidlertid er hovedprototypen til senotaf ikke engang en mugge, men Newtons senataf, tegnet på slutten av 1700-tallet av papirarkitekten for de abstrakte former for den franske revolusjonen, Etienne Louis Bull. Slik sett ser cenotafen utført av den berømte mesteren av "papirarkitektur" Yuri Avvakumov ut som et programarbeid.
Den andre berømte representanten for "papir" -bevegelsen på 1980-tallet, som deltok i denne utstillingen, Ilya Utkin, gikk en grunnleggende motsatt vei og tegnet et barns relikvie - et dukkehus. Formen er den mest typiske, enkleste og mest forståelige: et hus med firetak. Det ser ut som ethvert barnehjem, og samtidig den mest tradisjonelle gotiske eller renessansens relikvie-relikvie, eller til og med en utvidet kirke "Sion", selv om den siste sammenligningen selvfølgelig er en strekning.
Hvis Avvakumovs gjenstand ble realisert nesten nøyaktig i henhold til prosjektet, kanskje uten en trapp, som gjør det mulig å evaluere arkitektens tanke, men begrenser fantasien til mosaikeren, blir det skrevet i kommentaren til Utkins prosjekt at “kunstneren har rett til ikke å gjenta arkitekttegningen, men å komme med sitt eget bilde som oppfyller den generelle ideen . Og dette, etter min mening, ble gjort forgjeves, siden i Utkins skisse var de ytre fasadene av huset herlige lovende triks i ånden av klassisk teater og renessanseleder, og i forestillingen til Pelagia Angelopole er huset hengt med leker og smykker og dette gjorde ham for jentete, også for barn. Selv om det er sinnsykt nysgjerrig å se på det, og det må innrømmes at det er det varmeste og mest sjelsomme objektet på utstillingen.
Sergei Tchoban, en av de mest vellykkede russiske arkitektene i vår tid, viste Museum of Architectural Drawing, et objekt som ved første øyekast ser ut som en imponerende modell for et arkitektonisk prosjekt. Et slikt museum kunne godt ha blitt bygget: det består av fire hvite søyler, lagt oppå hverandre med en liten forskyvning, som en uferdig Rubiks kube eller som kasser i et slags arkivskap (denne teknikken for å skifte nivåer er populær i moderne arkitektur, jfr.
Det nye Shojima-museet i New York, et nylig prosjekt av Farshid Moussawi for forsvar eller Eric Egeraats hovedstad for byen). Den femte, øvre stangen er speilet, og kantene, berørt av en kunstig herding, reflekterer trebjelkene i galleriets tak og skaper nysgjerrige perspektiviske illusjoner. Flekker på speil er bare en del av den mest komplekse strukturen som dekker hele volumet. Hele overflaten er dekket med en mosaikk av elfenbenfarge, eller rettere sagt - fargen på antikk marmor, mønsteret endres stadig, vekslende lyse kegleformede buler med brøkdelte prydbelter og en kaotisk grov overflate av tornete smalter. Dette minner om to ting: antikke mosaikker og mange ganger ombygd mur av den bysantinske byen, der det i tillegg til dekorativt mur er ender av marmorsøyler som brukes som byggematerialer og tynner den brokkede overflaten.
Derfor oppfattes Chobanov-tegningsmuseet på to måter: det ser ut som en boks med en hemmelighet som arkeologer har funnet og begynte å åpne, men den gamle mekanismen har kjørt seg fast, bevegelsen er ikke avsluttet, og nå vil vi aldri uten ødelegge det uvurderlige stoffet av lag, finn ut hva som var inni. Kanskje tegninger. Hele gjenstanden ser ut som en antikk gjenstand fra utgravninger, og likheten forbedres av de malte søylene plassert av Tchoban på veggene - den mentale illusjonen av en kolonnade rundt får en til å tenke på dette objektet som en uvanlig slags gammel hovedstad … På den annen side, som allerede nevnt, kan en slik gjenstand godt være en museumsbygning, og huske hvor mye TALEN Choban og Kuznetsov-byrået bæres av ornament, stein, klassiske hentydninger innen moderne arkitektur - det vil ikke være overraskende alt for å se et slikt prosjekt ikke i form av et objekt, men for alvor. Og selvfølgelig, her må jeg si at Sergei Tchoban samler arkitektonisk grafikk og tegner vakkert selv.
Totan Kuzembaev valgte et egg med en koshcheevy død i relikvien. Døden i et egg, et egg i en kiste … Handlingen er fantastisk, og temaet er ganske arkaisk, rituelt, en slags sjamanisk, noe som ikke er overraskende hvis du husker at for tre år siden i Venezia Kuzembaev stilte ut en Zaporozhets i en yurt. Generelt sett, hvis Avvakumov bundet en knute mellom Joseph Brodsky og Diogenes, Ilya Utkin - mellom barnas julekamper i det 19. århundre og renessansen vedic, og Sergei Tchoban var grundig fast i gammel arkeologi, stupte Kuzembaev dypere enn noen annen, inn i de uskrevne eldgamle fortellingene og ritualene. Selv om han var i prosjektet, suspenderte han objektet sitt fra en flygende plattform, og utvidet dermed den lengste broen fra arkaiske til futurologiske fantasier.
Kuzembaevs "Kashchei Immortal" er en stor og tungmetallkasse, i to laterale plan hvor en mengde jernpigger er satt inn, skjerpet og ser inn i boksen og truer tydelig det svarte og hvite egget inni. Gjeddene kan flyttes manuelt, lukkes eller omvendt ved å åpne egget. Det er en mosaikk i endene av toppen, men siden mosaikkprikkene virket utilstrekkelige, dekorerte kunstneren av dette objektet, Verdiano Marzi, rammen til en jernkasse med abstrakte fargesammensetninger. Paradokset er at gjenstanden for lagring, faktisk en relikvie, en nål, med en fabelaktig motsetning dukket opp utenfor og multipliserte. Eller toppene skal betraktes som attributter til hovednålen skjult i egget, det er så å si eldre brødre i antall på et par hundre.
Disse fem "store" objektene er de fem mest ambisiøse improvisasjonene på temaet, og alle har med glede gått bort fra de direkte historiske prototypene til relikvien. Blant de fire mindre gjenstandene som er utstilt på mellometasjen til Solo Mosaico-galleriet, er det også en åpenbar enstemmighet i jakten på mangfold.
Det religiøse temaet ble berørt bare av arkitektene "Icing", som var medforfatter sammen med Olga Soldatova "Stavroasterion" - i en gratis oversettelse av kryssstjernen. Det sekskantede prismen er trimmet med svarte og hvite perler og plassert på en perlespredning. På de seks sidene er det kryss som ligner på korsene i storbyens klær, og i de to endene er det seks-spisse Magendavider, jødedommens stjerner, som på en merkelig måte veksler med de tre kronbladene til Mitsubishi-emblemet, som legger til en tredjedel til de to religiøse symbolene - fra forbrukersamfunnet, moderne fans av Mamon, en ond ånd jordiske varer fra Det gamle testamente. Det er vanskelig å gjette hva akkurat "Icing" anser som en relikvie, selve arbeidet deres ser ut som en relikvie av de tre gudene. Men det passer perfekt inn i deres kreative credo: husk i det minste pingvinen som mediterte før budene fra alle religioner på skjermen til den moderne guden - TV-en.
Art-Bla, tro mot deres favorittprinsipp med abstrakt antropomorfisme, stilte en ragget svart oval med en tynn, sterkt glødende spalte og kalte den "Pi Number". Mosaikken er veldig interessant, matt antrasitt.
Prosjekt Meganom gjorde om relikviet til en smal, viltvoksende støpt bygning kalt Fish, som ville passe til en moderne katolsk basilika.
og Dmitry Bush og mange samarbeidspartnere viste et objekt tilsynelatende inspirert av et surrealistisk hode kuttet i bånd som en appelsinskall. Her ser det imidlertid mer ut som en delvis bandasjemumie, og overflaten på båndene kan sees både fra innsiden (der er de mørke med en gylden glans og antyder tanker) og utenfor, hvor de er fawn med en liten lettelse, som skinn, og symboliserer, i henhold til forfatternes intensjon, kulturelle lag.
En katalog er utgitt for utstillingen, presentert i slutten av utstillingen sist torsdag.
