Parallellprogrammet til XIV Venice Architecture Biennale inkluderte en utstilling som ser ut til å ikke ha noe å gjøre med kunsten kunsten. Dette refererer til utstillingen "På den andre siden av den røde døren" av den ledende skikkelsen av den uoffisielle kunsten til Sovjetunionen Mikhail Roginsky. Hans arbeider fra 1978-2001, perioden med den parisiske emigrasjonen, ble brakt av Mikhail Roginsky Foundation og i artibus, ledet av skytshelgen Inna Bazhenova. Utstillingen ble utarbeidet i samarbeid med mesterens enke Liana Shelia-Roginskaya.
Hvorfor er en maler på Arkitekturbiennalen? Det er ikke så enkelt. Utstillingskuratoren Elena Rudenko forklarte at Roginskys strategi om å bryte opp verden i pre-elementer (dør, bord, hylle, stol, badekar, flaske) er ganske i samsvar med ideen om Fundamentals, som ble formulert av kuratoren for Biennale Rem Koolhaas og bestemte retningen festivalens hovedutstilling.
Som vi husker heter hovedutstillingen i den sentrale paviljongen i Giardini Elements of Architecture. Hun presenterer en viss katalog med moduler som bygningen er samlet fra: tak, vindu, gulv, balkong, bad, dør osv. Utstillingen er bemerkelsesverdig som et eksempel på arkitektonisk propedeutikk, en tredimensjonal lærebok for undervisning i alfabetet av arkitektoniske former. Leksikonartikler, som følger demonstrasjonen av eksempler på tak og toaletter, kan bli grunnlaget for abstrakten til noen nysgjerrige unge menn og kvinner fra arkitekthøgskoler og universiteter. Problemet er at i kommunikasjonen med dette leksikonet av elementer, er det ingen personlige følelser og forfatterens tale av kunstner-skaperen. Roginskys redegjørelse løser dette problemet. Han handler også om protoformer av vårt vesen og liv. Imidlertid blir hver av dem fanget i et portrett og er ladet med livsenergien som kunstneren selv har fått.
De som går inn i Ka'Foscari-universitetet, hvor Roginskys utstilling ligger, blir møtt av hans legendariske røde "Door". Dette er et objekt fra 1965. Ikke funnet, som man først kunne tro, men skapt med vilje og med absolutt "portrett", som Malevichs "Black Square", plastisitet og til og med ansiktsuttrykk. Arbeidet med overflaten er storslått, som er utarbeidet av kunstneren så smykker (med nøye oppmerksomhet mot alle grader, maling drypper og craquelures) at det grove produktet får kvaliteten på en unik juvel, noe som et kryptert selvportrett av forfatter.
Så allerede på dørstokken får den besøkende på utstillingen en dimensjon av menneskeheten i kommunikasjon med den internasjonale modernismen av blokkhus og standardleiligheter, likegyldig til dette problemet. Videre bevegelse støtter og utvikler dette temaet "å måle menneskeheten". Det er flott at arkitekturen til utstillingen ble utført av russiske modernismes guru, Evgeny Ass. Han plasserte arbeidet i to etasjer. Selve utformingen av hovedpakken til Ca'Foscari University er enkel: en stor korridor med utsikt over Canal Grande. Parallelt med det er det en kjede av små middelalderrom med tretak og noen ganger peiser. Ass gjorde bevisst opplevelsen av rommet vanskelig. Han kuttet alle suitene med falske vegger i tre. Hvert rom bygget i antikken ble malt i fargen på Roginskys maleri (myke toner av rosa, grønn, mørkeblå, melkehvit, oker). Det viste seg å være noe som en labyrint. Seeren vandrer gjennom kriker og kroker av bevisstheten til en innbygger i sovjetisk khrusjtsjov og fellesleiligheter. Samtalen gjennomføres av ting som bor i rommene i slike leiligheter.
Ett spørsmål til Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, hvilken effekt ønsket du å oppnå i utstillingsprosjektet?
Evgeny Ass:
- Effekt er ikke det riktige ordet - Jeg prøvde å oppnå en viss samvittighet i utstillingsområdet til Roginskys maleri. Og jeg ville ikke snakke om labyrinten, men om den vanskelige banen for bevegelse i det pittoreske rommet. Hallens ødelagte former, dramatiske romlige overganger (alle åpningene er gjort forskjellige), uregelmessig henging av verk - for meg er alt dette "maleriets arkitektur" av Roginsky.
Det er mange ting i rommene, og de samles i seksjoner. Den første er "ABC med todimensjonalitet". Fungerer 1978-1980. Hyller med flasker og servise. Bevisst brutalt malt med billig akryl på billig papir eller papp. Utstyrt med en slags dyr, primitiv styrke. Villmaleri ligner på fauvisme: den tilsynelatende uaktsomheten til opprinnelsen til de mest aristokratiske. Presisjonen og dybden i fargen og skjønnheten i tonale forhold fungerer som et solbelyst glassmaleri.
I avsnittet “Interiør. Natur. Figur i rommet”viser verk fra 1981-1982. Dette er en visuell rekonstruksjon av Roginsky av leilighetene som var kjent fra de sovjetiske årene. Kunstneren bodde allerede i Paris og malte rom med en lampeskjerm, bad og trapper fra minnet. Han ville ikke behage noen. Hans credo var å frigjøre kunst fra skjønnhet og kunstighet, å slette avstanden mellom maleri og liv så mye som mulig. Tross alt har de en levende affinitet. Derfor er interiøret bevisst dårlig og skjørt. Med røykfylte bad, støvete radiatorer, grove bord og skrå stiger. To meter malerier er laget på papir med akryl i en nesten monokrom teknikk: grå farget med rosa. Likevel, når vi kommer inn i dette interiøret med øynene våre, føler vi ikke underlegenhet og ubehag. Subtilt arbeid med rom og delikate nyanser av overflaten i samme tone gjør maleriet utsøkt og veldig edelt. Det er ikke ellers i disse felles interiørene i sovjetisk modernisme utklipp av intellektuelle tvister om Bakhtin og Shklovsky (de ble ført nettopp i rommet til vanlige kjøkken).
Ett verk på utstillingen refererer nøyaktig til en mulig sympatisør for Roginsky i betydningen å skape en bevisst stygg og uhøflig, men samtidig raffinert og vakker i subtilitet utførelse av kunst. Dette verket er "Frisør". I tåken om morgenen, sakser en sovjetisk frisør behendig håret til en klient som sitter foran et speil. Vel, selvfølgelig, er Roginskys motstykke i dette tilfellet Mikhail Fedorovich Larionov med sine barberere, den klønete pantomimen til livet i provinsbyene, bevisst kunstløs maleri og med alt det, en fantastisk kultur av farger og rom. Roginsky og Larionov forenes av forståelsen av det ordinære og banale bymiljøet som en unik kilde til kunstneriske ideer og bilder.
I dag, både i Russland og i verden, har det vært en prosess med rehabilitering av den upersonlige blokkerte arkitekturen på 1960-80-tallet, som foreløpig i intelligentsia var uanstendig overfor kjærlighet, og å hate den var Bonton. I dag er den yngre generasjonen nettopp i den andre bølgen av etterkrigstidens modernisme på jakt etter eksempler på en anti-borgerlig stil som reagerer på sosiale problemer. Mange paviljonger i den nåværende biennalen er viet til de modernistiske bygningene i landene på sekstitallet - åttitallet.
Hvordan inspirerer du betrakteren til å komme i kontakt med denne likegyldige arkitekturen? Hvordan animere henne? Roginsky hjelper til med å finne svaret. Den siste delen av utstillingen heter "The Returned Painting" (1991-2001). Det viser malerier (lerret, olje) med utsikt over hjørnene i Moskva, som kunstneren som bor i Paris skrev fra minne. Rosa hus med rader med identiske vinduer, blå brakker, grå gater og innganger ville se deprimerende og gledesløse ut hvis det ikke var energien til kjærlighet og medfølelse som stammer fra hvert lerret. Til verdenen som kunstneren forlot for lenge siden, men som forble hos ham hele livet.
Utstillingen er åpen til 28. september.
