En utstilling med arkitektonisk grafikk "Bare Italia!" Er åpen for publikum i ingeniørbygningen i Tretyakov-galleriet. Halvparten av utstillingen består av ting fra samlingen av Sergei Tchoban-stiftelsen, halvparten - tegninger fra State Tretyakov Gallery, og noen flere - arbeidet til fire samtidskunstnere-arkitekter: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov og Sergei Tchoban.
Utstillingen er helt fantastisk av mange grunner. Først og fremst er arkitektonisk grafikk av høy kvalitet et materiale som disponerer for seg selv. Å undersøke det fra ark til ark, undersøke i detalj krøller, skygger, personell, orden er en perfekt glede.
På den annen side kan det ikke sies at arkitekter ofte vises i Tretyakov-galleriet. De vises nesten aldri der. Og her - utstillingen forenet ikke bare ting fra galleriets boder, de som har liten sjanse for å bli vist på et annet tidspunkt, med ark fra samlingen av Tchoban-fondet lagret i Berlin. I sentrum av alt, som skapelsens krone, er tegningene til moderne arkitekter.
Utstillingen til utstillingen tilhører SPEECH-byrået og Sergei Tchoban, som arrangerte verkene til sine samtidige (inkludert hans egne) i en liten rotundhall; i galleriet som omgir ham, vises grafikk fra det 20. århundre; på avstand, i to andre rektangulære rom, vises ark fra 1700 - 1800-tallet, delt inn i to blokker: "The Birth of a Theme" og "Rossika" (verk av utlendinger i Russland). Dermed divergerer kronologien i sirkler i utstillingsrommet, eller, mer presist, konvergerer fra fortid til nåtid: noe som sirkler på vannet, bare omvendt.
Det skal bemerkes at SPEECH ganske konsekvent utvikler motivet til den runde salen i sitt arbeid med utstillingsdesign: det er nok å huske utstillingen "Museum of Graphics" på ArchMoscow i 2013 (da Berlin Museum of Graphics ennå ikke var åpen), eller to design av utstillingen av den russiske paviljongen ved den venetianske arkitekturbiennalen: pittoresk diorama av byen Vyshny Volochok i 2010 og "Pantheon" fra QR-koder 2012, nylig
gjenskapt i Zaryadye. Runde haller er ganske sjeldne i utformingen av moderne utstillinger - rotundrommet er ikke veldig praktisk å stille ut, da det har en tendens til å overvelde utstillinger og se viktigere og verdifullere ut i seg selv. Det er et tempel, ikke et museum, et konsentrasjonssted eller til og med en gudstjeneste.
Denne kvaliteten på runden blir vektlagt og brukt i hengingen. Grafikk av den nye tiden vises i samsvar med alle reglene for utstillingen og med respekt. I det roterende rommet til venstre slutter det grafiske arket å være selvverdifullt og blir en underordnet del av det romlige plottet. Arkene til Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban er hengt i to rader, uten å være oppmerksom på hvert enkelt verk som en museumsverdi (grafikken fra det 20. århundre i det sirkulære galleriet fungerer som en overgang, hvirvlingen i seg selv fjerner allerede museet strenghet).
Betydningen av uttalelsen er klar nok. Moderne grafikk er ikke en utstilling her, men heller en erklæring om selve dens eksistens - oppdraget med å fortsette og revitalisere tradisjonen med klassisk tegning. Det er en del av et imaginært kunsttempel, mens den historiske samlingen er omtrent som sakristiet, et lager av verdifulle eksemplarer.
Det er karakteristisk at den indre interiøret i plast, som så subtilt tolker utstillingen, forblir innenfor rammen av klassikernes språk. Helt uten bestilling, men detaljene og romlige opplevelser blir lagt til den runde salen av de faktiske grafiske arkene. De er hans flyktige arkitektur. Tenk for eksempel på den runde siden av Pantheon, artikulert av en pent tegnet sokkel med lossebuer: "pantheon in the pantheon" fortsetter det startede spillet videre, allerede i et tenkt rom bak grafikken.
Til det som er sagt, gjenstår det å legge til at utstillingen, som begynner med "grunnleggerne" fra 1700-tallet, utforsker den spesifikt russiske tradisjonen med å beundre Italia, og nærmere det 21. viser det seg at denne tradisjonen har tilegnet seg noen helt spesielle trekk, uten blott for beundring og i god forstand besettelse, som er så subtilt fanget av hallenes tempelform. Ingen bekjenner studier av antikviteter like oppriktig som Maxim Atayants; ingen tror at arkitekturen hans er født ut av et akvarellandskap, som Mikhail Filippov; ingen er så forpliktet til den iboende verdien av sjangeren av arkitektonisk grafikk som Sergei Tchoban, som skapte sitt museum, og Sergei Kuznetsov, som hele tiden går ut i det fri. Sammen er resultatet et heterogent, men absolutt unikt fenomen.
Vi snakket med alle fire utstillere av Contemporary Drawing Room.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Er dette virkelig den største utstillingen av arkitekttegninger laget med deltagelse av stiftelsen din for øyeblikket?
Sergey Choban:
- Jeg tror ja. Både etter antall presenterte verk og etter perioden som dekkes, er dette det største showet. Her er verkene til fremragende vesteuropeiske forfattere, grunnleggere av skolen for arkitekttegning fra 1700-tallet, og et stort antall grafikk av fremragende russiske kunstnere og arkitekter som aktivt jobbet i denne sammenhengen.
Utstillinger av arkitektonisk grafikk, organisert av grunnlaget ditt, tar allerede form i en bestemt sekvens. Er det en generell plan, en utviklingsvektor, eller oppdages plottet på nytt hver gang?
S. Ch.: Generelt, hver gang den blir oppfunnet på nytt, selv om vi har visse prinsipper. Spesielt streber vi etter å samarbeide med fremtredende museumsinstitusjoner. Et av våre neste prosjekter vil være felles med Albertina fra Wien. Dr. Schroeder [direktør for Albertina-museet i Wien - Archi.ru] var i hallene til museet vårt i Berlin og uttrykte et ønske om å lage et felles prosjekt - vi er veldig glade for dette og stolte av dette forslaget. Det er andre prosjekter også.
Det er planer om å jobbe med Shchusev Museum of Architecture, jeg synes dette er veldig viktig.
Du er samler, grafiker, designer, arkitekt - hvordan henger dette sammen?
S. Ch.: Det ser ut til at dette er forskjellige lenker av samme yrke. I historisk sammenheng var arkitekter også kunstnere; de var engasjert ikke bare i hovedbygninger, men også i scenedesign, teaterforestillinger.
Fram til det 20. århundre hadde arkitekter ikke fotografering …
S. Ch.: Jeg tror at fotografering ikke har de samme målene som arkitekttegning. Tegningen fanger den viktigste delen av menneskelig kreativitet - arkitekturen som en person skaper inne i det naturlige rommet.
I mellomtiden driver Maxim Atayants og Mikhail Filippov med klassisk arkitektur, men det gjør du ikke
S. Ch.: Selvfølgelig ikke, dette er ikke direkte relatert til arkitekturen vi holder på med. Det ser ut til at studiet av arkitektur ved å tegne kan føre til helt andre resultater: det er studiet av proporsjoner, og romlige effekter, og stoff og detaljer. Det er ikke for ingenting i dag, ikke bare på russisk, men også i mange europeiske skoler, blir det igjen lagt mye vekt på tegning, for bare gjennom tegning kan du se hvordan materialer av forskjellige strukturer kombineres med hverandre, hvordan stoff av de minste detaljene flyter inn i hverandre.
Tegningene dine på utstillinger er alltid veldig ferdige arbeider, tegnet fra naturen. Hvorfor viser du ikke skisser?
S. Ch.: For det første er temaet for denne utstillingen ganske klart, det betyr ikke noe annet. Og for det andre må tegningene i seg selv ha en uavhengig kvalitet. Skisser har ikke alltid denne kvaliteten.
Vokser maleriet mer ut av samlingen din eller av arkitekturen din?
S. Ch.: Jeg tror at samlingen tross alt vokste ut av tegning. Og mye av arkitekturen jeg gjør vokser ut av tegning. Det vokser bare ikke rett. Det er ikke noe slikt at du tegner en bygning fra den gamle perioden, og deretter designer noe lignende. Så designer du noe annet, fordi lovene om romutvikling er forskjellige.
*** Vi klarte å stille tre andre deltakere av utstillingen det samme, i dette tilfellet viktige, spørsmålet: om grafikken deres skiller seg fra den historiske, og i så fall hvordan.
Maxim Atayants
Hvordan skiller grafikken din seg fra de historiske som presenteres her på utstillingen?
M. A.: Grafikken er så forskjellig her … Jeg har en følelse av at de fire samtidige utstillerne skiller seg nesten like mye fra hverandre som de som henger i andre haller i denne utstillingen.
Epoker er forskjellige. Moderne grafikk kunne ikke annet enn bli påvirket av den kolossale visuelle redundansen i moderniteten. I løpet av de siste to årene har det blitt tatt flere bilder i verden enn i hele forrige historie siden den første daguerreotypen. Trykket av visuell redundans tvinger oss til å behandle tegningen annerledes og trekke ut noe derfra som ikke er, si, i fotografering. Jeg er en ganske profesjonell fotograf, så det er viktig for meg å sammenligne disse tingene. Men jeg er redd for bevisst å reflektere over dette emnet, fordi oppgaven med tegning og fotografering er den samme … Jeg vil på en eller annen måte uttrykke min glede og spenning ved møtet med disse bygningene. Sannsynligvis løste Quarenghi de samme problemene. Og resultatet er annerledes, fordi tiden er annerledes. Hvordan ellers å svare på dette?
Hvorfor fotograferer du ikke bare, men tegner også?
M. A.: Men på dette kan jeg enkelt svare. Fordi forskjellige mekanismer er involvert. Tegning er en måte å lære på, den eneste typen menneskelig aktivitet der hjerne, øye og hånd samtidig er involvert med like intensitet. Det er umulig å bruke en time omtenksomt og konsentrert på å se på noe stykke arkitektur hvis du ikke maler. Dette er en måte å lære på.
Vi tar bilder for andre å dele, og tegner for oss selv. For assimilering. I mitt tilfelle, i det minste.
Har du noen gang malt fra et fotografi?
M. A.: Som enhver idiot som studerte ved Kunsthøgskolen, tegnet jeg selvfølgelig av fotografering om natten, når jeg for eksempel ikke hadde tid til å fullføre semesteroppgaven min. Da virket det for meg at det var lettere. Nå prøver jeg å ikke gjøre dette, fordi dette er en meningsløs etterligning av prosessen. Poenget med tegning er etter min mening å tegne fra livet.
Når jeg tegner, forstår noe, så er denne prosessen dyp. Hvorfor forenkle det mens du prøver å få det samme resultatet billig? Eller ser det samme utad. I de tilfellene du ikke hadde tid til å fullføre på stedet, titter du selvfølgelig på fotografiet … Men dette er sekundært. Det er utrolig at det nå er mye vanskeligere og lengre for meg å tegne fra et fotografi enn fra naturen. Det er sant.
***
Sergey Kuznetsov
Hvordan skiller grafikken din seg fra de historiske som presenteres her på utstillingen?
S. K.: Jeg vil ydmykt si at vi ikke kan gjøre det. Jeg er glad for verkene til Maxim Atayants, som fant en ressurs i seg selv, var i stand til å dykke inn og gå til en annen grad av detaljer - det er klart at vanskelig ikke betyr bra, men rett og slett ikke betyr dårlig - men likevel, hvilke høyder de gamle mestrene nådde, og i tålmodighet og i hardt arbeid og i øyet - dette er utrolig. Vi må lære … Jeg ser fremdeles med misunnelse på grafikken som presenteres her; å mestre en slik ferdighet, selvfølgelig, ville være bra.
Betyr tegning av klassisk arkitektur å streve for å bygge klassisk arkitektur?
S. K.: Nei, det betyr ikke i det hele tatt. Tegning av klassisk arkitektur skal ikke knyttes til utformingen av klassisk arkitektur, akkurat som å lese The Three Musketeers ikke betyr at du er klar til å svinge sverdet i morgen.
Hvordan henger da arkitektur og maleri sammen med deg personlig?
S. K.: I denne forstand er jeg en old-school person, jeg verdsetter grunnleggende håndverksferdigheter. Det ser ut til at måten arkitekturen er laget ikke har endret seg og ikke bør endres: en person må føre tanker, opplevelser, følelser gjennom seg selv - en datamaskin tillater ikke å uttrykke alt. Jeg var dypt og seriøst glad i datagrafikk, jeg hadde mange publikasjoner og utstillinger, dette gir meg muligheten til å sammenligne arbeid med hendene og øynene - og jobbe med en datamaskin. Når du har kontroll over hånden din og kan skildre hva som er i hodet ditt med egne hender, hjelper det deg personlig, og fungerer også bra som et overtalelsesverktøy.
Hvorfor viser du ikke skissegrafikk?
S. K.: I dette tilfellet ville det ikke være hensiktsmessig … Dette er ikke en bevisst posisjon; det kommer forslag - vi stiller ut. Generelt sett er dette ikke sant, vi stiller det ut - på utstillingen til "årets arkitekt" på Arch Moscow hadde vi en skissetegning. Vi har mange skisser av god kvalitet. Håndskriftene vil etter min mening rett og slett ikke være av interesse for publikum. Generelt vil jeg si at publikums interesse for ethvert arbeid er direkte proporsjonal med mengden arbeid som er investert i det.
Hvordan begynte du å tegne historisk arkitektur?
S. K.: Jeg begynte å tegne lenge før jeg begynte på college. Foreldrene mine var ikke på noen måte forbundet med verken kunst eller arkitektur, men jeg ble ført med av en rekke kreativitet, prototyping, tegning, og så fikk jeg forberedende kurs ved Moskva arkitektoniske institutt. Siden har jeg ikke sluttet å male; skjønt etter instituttet var det en pause da jeg ikke lenger var engasjert i manuell, men med datagrafikk.
Senere, da jeg begynte å jobbe med Sergei Tchoban, et sted rundt 2006, foreslo jeg at han skulle reise til forskjellige byer, tegne arkitektur. Siden da reiser vi regelmessig flere ganger i året for å male arkitektur. Vår første tur til friluft i Roma var for eksempel i fotsporene til Piranesi.
***
Mikhail Filippov
Hvordan skiller grafikken din seg fra de historiske som presenteres her på utstillingen?
M. F.: Jeg kan ikke svare på et slikt spørsmål. Jeg kan fortelle deg hvordan arkitektonisk grafikk skiller seg fra et arkitektonisk landskap. Jeg har vært medlem av Union of Artists i 30 år og har stilt ut som kunstner mange steder, inkludert Tretyakov Gallery og Russian Museum. For meg er dette spørsmålet helt klart. Det arkitektoniske landskapet som våre forfedre var engasjert i, er først og fremst tegning og organisering av arket av høy kvalitet med en kunstnerisk tilnærming. Dessverre maler de fleste arkitekter favorittobjektet sitt som et lite perspektiv, og ikke som et landskap.
I sovjettiden jobbet jeg til og med i henhold til kontraktene til Academy of Arts som en ren landskapsmaler. Under perestroika kom serovittene til makten der - de fleste av dem er gode kunstnere, realister, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Sterk, teknisk grafikk var også der.
Resten av sovjetisk grafikk utviklet seg i retning av den modernistiske organisasjonen av arket: for eksempel hvis vannet er lett, så er det skrevet helt hvitt, og så videre. Da jeg begynte å skrive, tenkte jeg mer på nyanser, mellomtoner; nyanser av hvit natt, kvalitet på tegning, finesser i perspektiv … Dette gjorde meg ganske unik på den tiden, disse gamle menneskene elsket meg veldig mye. Jeg jobbet under kontrakter, kom og viste dem, de kom med noen kommentarer - det føltes som mestrene så på meg.
Så jeg føler ikke mye av en forskjell med de gamle mestrene. Hvis de ikke laget en teknisk tegning, men et landskap. Tilnærmingen til landskapet var som en kunstner. Det arkitektoniske fakultetet for kunsthøgskolen engasjerte de som tegner bedre, og maleriet - de som tegner dårligere. Og de ga et vitnemål under navnet "artist of architecture" - dette ble formulert til noen, jeg husker ikke helt, et år. Jeg føler ingen forskjell med dem, spesielt ikke når det gjelder verk fra begynnelsen av århundret. Jeg ble oppdratt på verkene til Ostroumova-Lebedeva.
Selv om for meg en annen nyanse er interessant - den hvite natten. Det russiske landskapet ble nyansert i mellomstatene. For eksempel Vasiliev - tine, ingen vinter, ingen vår, ikke noe lys, ikke noe mørke, halvtone, en solstråle … Du vil ikke finne høykvalitetslandskaper i verdensmaleri, der det ville være en lyseblå himmel og sterkt grønt! Kanskje Rylov kan ha noe sånt, eller Cezanne, men det er allerede annerledes.
Det viser seg at du har to temaer: ditt arkitektoniske landskap og arkitekturen din …
M. F.: Ikke! Det er ingen forskjell. Vakker arkitektur skal assosieres med naturen, med solen. Jeg kjenner og elsker kunsthistorie veldig godt. På 1980-tallet var det interessant for meg å fortsette det som ble kuttet i tjueårene, da maling på en eller annen måte begynte å bli til - kanskje veldig høy kvalitet - men modernisme.
Tror du det er ekte å vokse sammen?
M. F.: Ja, dette er en absolutt realitet. I januar i år overlot jeg det - skog ble fjernet fra 750 000 kvadratmeter med boligbygg.
I Sotsji?
M. F.: Ikke bare i Sotsji, i Moskva er det et hus på marskalk Rybalko Street. Jeg forsikrer deg om at dette er legemliggjørelsen av 2001-stilen jeg kom på for tretti år siden.
Føler du dette som utførelsen av maleriet ditt?
M. F.: Ja, ja … Jeg ser ikke forskjellen.
Tro det eller ei, jeg ble uteksaminert fra akademiet, kom med et konsept og etter det tok jeg en pensel og akvarell for første gang. Jeg skrev ikke på akademiet eller på kunstskolen. Og hvis jeg skrev, er det umulig å se på hva jeg gjorde da.
*** utstillingen er åpen til 27. juli (åpningstider)
